キャラクターの声またはナレーションが完全に支配する物語モード——ボイスオーバー、内的独白、内省が映像を覆う。ゴダール技法、対白映画では問題あり。
声が空間全体を支配してしまう――これが、オフの声、内なるモノローグ、あるいはキャラクターの思考が、映像を単なるイラストに成り下がらせるほど支配的になってしまったと編集で気づいたときの中心的な問題です。これは「ヴォーカルトリズム（Vocozentrismus）」と呼ばれ、特に作家主義映画や文学作品の映画化が陥りやすい罠です。音響トラックが映像の語りを支配するのであって、その逆ではありません。これは、映像を伴うラジオドラマを作ろうとしているのであって、映画を作ろうとしているのではない場合に、致命的になり得ます。
ゴダールとヌーヴェルヴァーグはこれを意図的に挑発しました――観客に直接語りかけるキャラクター、カメラが完全に静止したまま数秒間続く思考の流れ。それは当時、意図的な反映画的な姿勢としての手法でした。しかし、ドラマや心理描写においては危険です。女性が鏡を見るシーンを撮影し、その後、オフの声が3分間も内なるモノローグをまくし立てる――これはせいぜい30秒しか機能せず、観客を失います。注意は声に移り、映像は壁紙になります。古典的な会話映画では、これは完全に逆効果です。2人のキャラクターが会話していて、一方が常に内なるコメントの流れを持っていると、彼らの間の緊張が崩壊します。
実際には、これは具体的には――モンタージュ、フォーカス、動きを使ってオフのテキストに対抗して視覚的に作業するか、あるいはヴォーカルのレベルを根本的に削減するか――ということです。映像が並行して機能し、従属しない場合、声は機能することができます。最大の過ちは、視覚的なアイデアの欠如から声を利用することです。「このシーンには深みが必要だ、ボイスオーバーを被せよう」と編集中に気づく――それは怠惰です。より良いのは、シーンをカットし、モンタージュし、音楽や沈黙を使って、声が――もし必要なら――「層」になるようにすることです、主たる層ではなく。この問題は、オーバーナレーションや、あなたの語り口がどれだけ主観性に耐えられるかという問題と関連しています。心理スリラーでは、激しい内なる声が、カット、音楽、カメラワークとリズミカルに呼応する場合――対立しない場合――機能することができます。