無声映画のフランス語用語——同期音声なしの映画、約1895-1929年。生オーケストラ、字幕、純粋な視覚言語。
ミュート・シネマは、カメラマンや監督に、今日ではしばしば過小評価されている視覚的な精度を強いました。音がないため、すべての動き、すべての視線、すべてのジェスチャーが物語を運ばなければなりませんでした。それは欠点ではなく、映像構成へのラディカルな集中でした。カメラはより近くに置かれ、カットはよりリズミカルになり、照明はよりドラマチックになりました。なぜなら、それだけが語る必要があったからです。
セットでの実際的な意味はこうでした。俳優たちは極端な身体言語と表情で演技しました。カメラ目線、首の動き、手の動き、それらがツールでした。インタータイトル（中間字幕）は定期的に映像を中断したため、カットとセリフ構築のタイミングはトーキーとは全く異なる機能をしていました。撮影監督としては、感情的な情報が10メートル離れていても読み取れるように、照明と構成の比率を設定しなければなりませんでした。クローズアップで心理描写に逃げ込むことは不可能でした。メイク、衣装、セットデザインは、演技そのものと同等のレベルで物語を伝える手段でした。
映画音楽はライブでした。ピアニストや小規模なオーケストラが、上映と並行して映画館で演奏していました。これはカットの速度を変えました。カットは音楽のパルスに従わなければならず、その逆ではありませんでした。照明はしばしば、ある種のメロディックな映像シーケンスに沿って設定されていました。明暗のコントラストは、サウンドデザインの助けなしに、直接的にドラマチックな緊張感を強調しました。
今日のセットでの作業にとって、ミュート・シネマは教科書です。ヴィム・ヴェンダースやラース・フォン・トリアーが最小限の音でどのように仕事をしているかを理解している人は、しばしば無意識のうちにこれらの原則に頼っています。視覚が研ぎ澄まされます。映像構成が、単に描写するだけでなく、意味を運ぶことを学びます。現代のスローシネマやサイレント映画の実験（シュトラウプ＝ユイレの作品など）もまた、音の不在は歴史的な欠陥ではなく、独自の力を持つ美的選択であることを示しています。