同期化された対話や音楽のないフィルム形式——沈黙またはライブオーケストラ。ビジュアルストーリーテリングが欠けている音声を補う：表情、ジェスチャー、字幕、カメラ運動がすべてを担う。
サイレント映画
言語の不在は、映画製作者に抜本的な視覚的明瞭さを要求します。サイレント映画では、物語を伝えるのはセリフではなく、姿勢、視線、空間での動きがすべてを語らなければなりません。一言も発せずに複雑な感情的なシーンを描こうとしたことがある人なら、バスター・キートンやカール・テオドア・ドライヤーのようなサイレント映画監督がなぜ映像構成の巨匠になったのかすぐに理解できるでしょう。すべてのジェスチャーが意味を持ちます。すべてのカットが機能するかしないか――オフの声という支えはありません。
実際には、これはカメラがもっと近づき、目を捉える必要があることを意味します。クローズアップは例外ではなく、規則になりました。インタータイトル――印刷された中間パネル――は、セリフや説明を伝えるために映像の流れを中断します。優れた編集者は、これらの挿入を短く控えめに保ちました。タイトルが多すぎるとリズムが損なわれます。編集速度自体が物語の道具となりました――エネルギーとユーモアのための速いカット、緊張やメランコリーのための遅いショット。これはキートンやチャーリー・チャップリンで特に見られます。モンタージュのリズムこそが映画の心臓なのです。
しばしば過小評価されることですが、サイレント映画は決して本当に静かだったわけではありません。映画館では生演奏のオーケストラ、ピアノ、時にはスクリーンの後ろに音響効果担当者さえいました。この音楽は不可欠でした――欠けているセリフを補い、感情的なアクセントを置き、カットを繋ぎました。優れたサイレント映画のスコアは添え物ではなく、語り手です。もし今日、古典的なサイレント映画を編集するとしたら、モンタージュ中にすでに音楽を頭の中に思い描いていなければなりません――両者は一体となって機能します。
トーキー映画の時代（1920年代半ば以降）への技術的な移行は、すぐにすべてを変えたわけではありません。初期のトーキー映画は、マイクとカメラが固定されていたため、しばしばぎこちないものでした。逆説的ですが、多くのサイレント映画の職人は、音を視覚的な映画という点での後退と見なしました。今日、サイレント映画のテクニック――音の支えなしの映像構成、編集リズム、カメラの近さ――の知識は、真に語る方法を学びたいあらゆる監督や撮影監督にとって役立ちます。