1960年代イタリア前衛映画——実験的モンタージュ、反物語性、純粋な視覚抽象。構造主義映画の基盤。
1960年代のイタリア・アヴァンギャルドは、物語を完全に停止させ、純粋な視覚的関係性を主題とする、ラディカルな映像表現のアプローチを発展させた。プレスティージオとは、この実験的なジェスチャーを指す。それは単一の作品ではなく、一つの姿勢である。素材は分解され、カットは物語の論理ではなく内的なリズムに従い、観客は物語という安全網なしに映像の連続の前に座ることになる。
撮影現場と編集において、それは具体的に何を意味するか。語るために撮影するのではない。映像の質感を追求するために撮影するのだ――表面に当たる光、二つのフレーム間の緊張感、因果関係ではなくタイミングの意外性。編集こそが、本来のコンポジションとなる。従来の映画が物語を伝えるためにカットを用いるのに対し、プレスティージオ映画は、カットによって初めて生まれる新たな意味の空間を開くためにカットを用いる。石の映像に続き、ぼやけた手のクローズアップ――手が石に触れるから（物語的論理）ではなく、この並置がカットの中にのみ存在する緊張感を生み出すからだ。
このアプローチは、いわゆる構造主義映画に直接的な影響を与えた。構造主義映画は、映画の形式そのものに明確に取り組んだ運動である。シュトラウプ＝ユイレやパオロ・タヴィアーニのような作家たちは、純粋な映像コンポジション、対話のないロングテイク、リズミカルな反復を実験した。違いは、プレスティージオはより映像自律的であり、構造主義映画は自らの条件をより強く反映していた点である。しかし、その類似性は明白だ――どちらも心理的リアリズムを拒否し、シーンではなく映像のグループで考える。
実用的な面から見ると、これはあなたの仕事にとって何を意味するか。ロングテイクは実験的な空間問題を可能にする。色彩はドラマツルギーとなる。編集のリズムは、ドラマツルギーではなく音楽的な規則に従う。説明、対立、解決は必要ない――ただ映像の存在だけが必要だ。観客は受動的に消費するのではなく、能動的に見ることを学ばなければならない。それは不快で、人気がなく、ラディカルだ。そしてまさにそのために、このイタリア・アヴァンギャルドは生き残ってきたのだ。それは、映画がそもそも何であるかという根本的な問いを投げかける。