オペラの映画化——通常はクラシック作品：ヴェルディ、モーツァルト。課題：舞台慣例を映画言語に翻訳し、演技的な造作を避けること。
オペラを映像化する者は、二つの世界の間に挟まることになり、それが根本的な問題となる。舞台は様式化、観客と演者の距離、人工的な約束事の受容によって成り立っている。しかし、カメラは接近を求め、リアリズム、あるいは少なくとも独自の視覚的論理を求める。舞台美術をそのまま持ち込めば、すぐにキッチュになったり、記録された演劇のように見えたりする。それを完全に無視すれば、オペラそのものの魅力――その壮大さ、感情の過剰さ、ドラマツルギーとしての音楽の力――を失ってしまう。
実際には、オペラの映像化は、音楽を単なるサウンドトラックではなく、視覚的な建築として捉える場合に機能する。具体的には、編集、カメラワーク、フレーミングは音楽に従い、それを視覚化しなければならず、単にBGMとして流すだけではいけない。ゆっくりとしたレチタティーヴォは、長いショット、構築されたカメラアングル、連続したテイクを可能にする。複数の声が絡むアンサンブルシーンは、個々の感情的なラインを視覚的に区別するために、しばしば編集と空間的な分離を必要とする。歌手のクローズアップは舞台上とは異なって機能する――カメラは、20列離れていればぼやけてしまうような細部を見ることができる。これはチャンスであり、同時にリスクでもある。
現場で活躍するオペラ演出家――例えばパトリス・シェローやフランソワ・ジラール――は、文字通りのセットではなく、空間的な抽象化で作業することが多い。空虚な空間、光、最小限のオブジェクト。これは舞台のキッチュから解放しつつ、荒涼としたものに陥るのを避ける。カメラはそこで真の舞台美術家となる。ライブ収録か編集モンタージュかという問題も、この分野を二分している：舞台からのライブ収録はエネルギーを保つが、しばしば静的でテレビ的になりがちだ。撮影された演出は、真の映画的構成を可能にするが、歌唱の直接性を損なうリスクを伴う。
実践的な秘訣は、人工的な声域を前提として受け入れ、それに対抗するような映像言語を構築しないことだ。通常の音域より4度高い声で歌うヴェルディのテノールの声を聞いたら、映像でも同様に様式化に向かわなければならない。これは衣装のスペクタクルを意味するのではなく、音楽の過剰さに対応する意識的な映像構成――それが色彩、幾何学、あるいは動きのパターンであれ――を意味する。オペラの映像化は、映像と音楽が同じ美的空間で語り合うときに機能する。