複数の監督、独立した物語、1つの映画——各セグメント15–30分。映画祭フォーマット；経済的。
複数の監督が1つのプロジェクトに参加し、それぞれが独自の物語を語る。エピソード間に繋がりはないが、共通の枠組みがある。これがオムニバス映画の核となるアイデアであり、通常の長編映画とは全く異なる現場での作業となる。一人の監督が全体のビジョンを示すのではなく、複数の作家が15分から30分のセグメントを並行または逐次的に実現していく。制作によっては、全エピソードに同じチーム（カメラ、音響、照明）を使用する場合もあれば、各監督が独自のクルーを連れてくる場合もある。これは作業方法を大きく変える。
実質的な課題は、ルックの連続性にある。5人の異なるカメラマンが連続して撮影した場合、画質（色温度、粒子感、被写界深度）がばらつく可能性がある。そのため、一部の制作では、拘束力のあるルックブックや固定されたレンズ指定を採用している。他の制作では、意図的にスタイルのミックスを受け入れている。これは、各監督が自身のビジュアルユニバースを持ち込む場合に強みとなる。編集段階でそれが顕著になる。ストーリーだけでなく、ビジュアルのリズムにおいても、エピソード間の境界がすぐに認識できるようになる。
映画祭の文脈――そしてオムニバス映画はそこで生きている――では、このフォーマットは完璧に機能する。各監督は、90分の長編映画を資金調達する必要なしに、自身の個性を発揮できる。ベルリン国際映画祭、ヴェネツィア国際映画祭、ロカルノ国際映画祭は、新人監督とベテラン監督を並列で受け入れるため、このようなプロジェクトをプログラムに組み込んでいる。上映時間は計算可能で、予算は分散され、リスクは断片化される。スタジオやストリーミングプラットフォームの作品集としては理想的だ。長い物語ではなく、4〜6本の短い映画をパッケージで視聴できる。
最大の落とし穴は、トーンと観客体験だ。最初のエピソードがドラマで、2番目がハードコメディの場合、編集段階ではセグメント間のリズムとペース配分に感覚が必要となる――アンソロジーシリーズ（そちらを参照）に似ているが、より小規模なスケールだ。一部のオムニバス映画では、エピソードを枠取りし、トーンの不均一さを緩和する、拘束力のあるプロローグまたはエピローグを使用している。これは、物語的には全てが分離されていても、心理的な連続性を生み出す。