70年代のニューハリウッド過剰主義への反発——日常の人物、実在のロケーション、感情的な真実性。カサヴェテスの遺産。
1970年代：ブロックバスター映画の監督たちがメカニカルなエフェクトやデジタルエフェクトを試す一方で、静かな対抗運動が形成されました。撮影監督や監督たちは、予算不足からではなく、原則としてカメラを手持ちで撮影するようになりました。彼らは視覚的な派手さ、過剰なスタイリングから離れ、人々を本当に動かすもの、つまり、場末のアパートでのつかの間の視線やぎこちない仕草に戻りたいと考えていました。
ニュー・アメリカン・ヒューマニスティック・リアリズムは、ジョン・カサヴェテスにその存在を負っています。彼の『Faces』や『A Woman Under the Influence』のような作品は、光沢のある嘘に対するマニフェストでした。それらは、真の力は照明デザインやカメラトリックから生まれるのではなく、存在感から生まれることを示しました。セットは社会学的な舞台となりました。構築されたセットではなく、実際の居間を撮影しました。照明は目立たないように、あるいはむしろ、全く気づかれないようにすべきでした。焦点は演技、微細な表情、セリフの間で起こること、にありました。
撮影監督にとっては、これは根本的なパラダイムシフトを意味しました。ドラマチックなコントラストの代わりに、自然光や最小限の追加光源で作業しました。フィルムの粒状性は受け入れられ、さらには本物らしさの証として読まれました。動きは手持ちまたはトラッキングでしたが、三脚技術の不足からではなく、カメラがそこにいるべき、直接的で、フィルターされていない、という理由からでした。色は自然なままに保たれ、感情的な操作のための人工的なカラーグレーディングはありませんでした。
この姿勢は、マイケル・チャップマンやハスケル・ウェクスラーのような撮影監督に影響を与えました。彼らは、本物のセリフによる長いテイクが、百回の巧みなカットよりも深く響くことを理解していました。形式的な抑制と感情的な深さの関係は、理論だけでなく、現場での日常的な行動原則となりました。ニュー・ハリウッドが「私を見て、技術的に素晴らしいだろう」と言ったのに対し、ヒューマニスティック・リアリズムは「この人を見て、彼はリアルだ」と囁きました。カメラは後退しました。そして突然、それはこれまで以上に近づいていたのです。