撮影中、カメラが止まり、セットアップが変わり、再び始まる——ポスト時間を節約するがコンティニュイティの危険。
カメラを止め、位置を変え、フォーカスと照明を調整してから、再び回します。これがインカメラカットであり、編集作業の時間を節約できますが、セットでは神経をすり減らします。論理は魅力的です。なぜ、現場で編集作業を済ませることができるのに、わざわざ2つのテイクをモンタージュする必要があるのでしょうか？
実際には、次のように機能します。シーンを維持し、カメラを回し、明確なカットポイントで—例えばセリフの終わりや動きの途中で—監督が停止の合図を出します。カメラを止めます。これで、カメラアングルを変更したり、近づいたり、軸を変更したりする時間ができます。俳優は元の位置を維持するか、中間位置に移動します。すべてが再調整されたら、俳優は前のテイクの最後のセリフを—繋ぎの合図として—再び発し、カメラは再び回り、次のショットを同じテイクで直接撮影します。編集では、カメラが停止した瞬間を切り出すだけで、カットラインはすでに生素材にできています。
利点は明らかです。追加のテイクが1つ不要になり、管理する素材が減り、セットでの作業が速くなります。特に広告撮影やタイトな制作スケジュールではよく行われます。問題は、コンティニティが地雷原になることです。俳優は全く同じ体勢、全く同じ表情を再現しなければなりません。リフレクターや太陽が動くと、光はわずかに変化します。フォーカスの移行は絶対にクリーンでなければなりません—フォーカスプーラーがわずか半秒でも気を散らせば、修正できないジャンプカットが発生します。テーブルの上の水筒、手の中のグラス—すべてがミリメートル単位で同じ場所になければなりません。
現代の撮影プロトコルでは、これらのインカメラカットを脚本またはコンティニティリストに明示することが要求されています。エディターは、人工的なカットラインがどこにあるかを知る必要があります。クリーンでないインカメラカットは、完成した映画では悪いマッチカットのように目立ちます—そして、代替テイクが欠けているため、修正できなくなります。したがって、時間があまりにも貴重で、チームが確実に作業できる場合にのみ行ってください。