知的レベルのコメディ——機知、言葉遊び、不条理が中心で身体的ギャグではない。観客の理解力が必須。
ハイ・コメディ
ハイ・コメディを演出する者は、観客のすぐ後ろで笑いを誘うのではなく、3文前に仕掛けられたジョークに気づいた観客の静かな頷きを狙う。スラップスティック中心のロー・コメディとの違いは、音量ではなく、認知的な要求にある。ハイ・コメディはウィット、言葉遊び、不条理、知的な観察から成り立っており、観客が共に考え、文化的参照、二重の意味、論理的な破綻を理解して初めて機能する。
現場では、これは具体的に演技演出が控えめさを目指すことを意味する。大げさな身振りや過剰な反応は必要ない。むしろ、不条理な状況がごく自然に扱われること自体が、それをコミカルにする。セリフが内的に矛盾しているにもかかわらず、それを完全に真顔で話す俳優――それがハイ・コメディだ。カメラ自体も、しばしば距離を置き、観察する。観客の微細な表情にクローズアップで迫るのではなく、曖昧さの余地を残す。コミカルな効果は、タイミング、ポーズの設計、そして俳優が同時に二つの意味の層を維持する能力から生まれる。
編集においては、ハイ・コメディはモンタージュの論理に現れる。カット自体が、予期せず行われたり、その唐突さで不条理さを強調したりすることで、コミカルになり得る。ジョークは、対照的なカットでの反応によって強化される――あるいは、意図的に間違った人物に長くカットすることで、完全に弱められることもある。サウンドデザインは過小評価されている役割を果たす：ここでは、どんな音楽よりも沈黙の方がコミカルになり得る。予期しない音、音が期待される場所での沈黙――これらが、ハイ・コメディに必要な知的な不安感を生み出す。
最大の課題：ハイ・コメディは高度で啓発された観客を前提としている。それが彼女たちを脆弱にする。ターゲット層が参照を知らなかったり、不条理さを不条理として認識しなかったりすると、すべてが台無しになる。そのため、最初のフレームからトーンの設定が決定的に重要になる――観客はすぐに、自分がどのようなレジスターにいるのかを理解しなければならない。ビジュアルドラマツルギーにおけるわずかな皮肉のニュアンス、プロダクションデザインにおける控えめな誇張――これらがシグナルとなる：ここでは真剣に受け止められておらず、観察されているのだと。