フランス・ヌーヴェルヴァーグの5人の巨匠——リヴェット、ロメール、シャブロル、トリュフォー、ゴダール——深焦点、ロングテイク、即興性で1960年代を定義。
リヴェット、ロメール、シャブロル、トリュフォー、ゴダールという5人のフランス人監督は、作者主義映画の考え方をラディカルに実践することで、1960年代の映画製作を根本的に変えました。それは理論的な概念としてではなく、撮影現場での日常的な実践としてでした。彼らは最小限のクルーで作業し、サウンドステージではなく実際のロケーションで撮影することが多く、ロケーション自体に導かれるように撮影しました。それは経費削減策ではなく、手法でした。当時、トリュフォーやゴダールの撮影監督を務めた者はすぐに学びました。カメラはストーリーボードに従うのではなく、直感に従うのです。
技術的には、これは3つの主要な実践に現れました。第一に、物語の手段としての被写界深度です。これはフォーカスを制御するためだけでなく、複数の物語のレイヤーを同時にフレームに収めるためでした。例えば、ゴダールはワンテイクで複雑なシーンを演出しました。そこでは前景と背景が同時に機能しました。第二に、長く、しばしば動かないショットです。リヴェットとロメールは、カメラを数分間回し続け、人生がフレームに入ってくるのを待つこともありました。第三に、目に見える即興です。セリフは現場で書かれ、俳優はテイクの直前に指示を受けました。これは、古典的なヨーロッパ映画とは全く異なる、照明とビジュアルデザインの準備を必要としました。
実践においては、これは具体的には、より狭い光の円錐、より少ない照明装置、しかしカメラと俳優のための最大限の自由を意味しました。照明は自然に見えるか、意図的に人工的でなければなりませんでした。しかし、確立されたシステムの職人的に完璧な照明のようであってはいけませんでした。シャブロルは、古典的な映画監督が10台必要とした場所で、しばしば3台のライトで撮影しました。トリュフォーは、シーンを語るために窓と既存の光で十分であることを要求しました。これにより、撮影監督は部屋の建築を、舞台セットとしてではなく、光の空間として再解釈することを余儀なくされました。
このグループが活動した場所では、ドキュメンタリーとフィクションの境界線が消えました。カメラは即時性の楽器となりました。今日でも、映画製作者はこのパターンで作業しています。最小限のセットアップ、パフォーマンスのための最大限の自由。トリュフォーやゴダールを研究する者は、真の作者性が脚本ではなく、映像空間で生まれることを理解するでしょう。