日本アクション映画。格闘の振り付けと実際のスタントが中心——生のままの、未加工の暴力。北野武や初期ジョン・ウー的なスタイル。
日本の撮影現場で働く者、あるいはアクション映画に携わる者であれば、この現象から逃れることはできない。激画（Geki-Eiga）――ハリウッドの慣習とは根本的に異なる、日本のアクション映画である。それはスペクタクルな爆発やCGの過剰演出ではなく、生々しく直接的な暴力を、殺陣（たち）と本物のスタントを通して描く。テクノロジーではなく、肉体がその道具となる。
この美学は、特定の文化的状況から生まれた。日本の武道の伝統、スタジオシステムの厳格な階層、そして幻想よりもリアリティを重視する観客の期待である。北野武はこれらの原則を体現している――彼の映画では、暴力は演技としてではなく、結果として描かれる。カメラは静止し、観察する。アクションは数回の的確なパンチやキックで展開される。物理的な現実を曖昧にするような速いカットはない。ロングテイクが支配的であり、観客に「これは本当に起きていることだ、トリックではない」と示す。
撮影監督にとって、激画は西洋のアクション映画とは全く異なるアプローチを意味する。カットのリズムでアクションを強調する方法を計画するのではなく、リアルタイムで視覚的に読み取れるようにする方法を計画するのだ。殺陣は固定された視点から機能しなければならない。これはスタントコーディネーターや振付師に極度の精度を要求する。モンタージュのトリックでやり直す機会はない。俳優は実際に当てるか、あるいはその偽装が映像上で見えないほど職人的に完璧でなければならない。
実用的な違いとして、激画ではモーションブラーを控えめに使用する。武道の技術を見せるためには、明確な線が必要であり、それが物語の一部となる。キャラクターが殴られた場合、ドラマチックな焦点は感情的な反応（顔のクローズアップ）ではなく、アクション自体の物理的な結果にある。血、汗、暴力による肉体の変形――それが君の語るべき素材だ。サウンドデザインが中心となる。打撃音が映画のリズムとなる。
今日では、激画の原則は韓国やアメリカのアクションにも見られる（初期のジョン・ウーは多くを借用した）が、日本版は美的な冷徹さ――感傷のない暴力、音楽の盛り上がりを伴わないアクション――によって、他に類を見ないものとして残っている。それは職人技であり、職人技として見せられるのだ。