1960–70年代の脱落者・ヒッピー・反体制文化を描いた映画。ハリウッド的な感情操作なし。
1960年代のギャンブラー（アウトサイダー）運動は、独自の映像言語を必要としており、それは映画が提供しました。外部からの道徳的な説教ではなく、内側から映し出す視点によってです。ライナー・ヴェルナー・ファスビンダーやローザ・フォン・プラウンハイムのような監督は、アウトサイダーを「〜について」撮るのではなく、彼ら自身と共に、彼らの空間で、彼らの言葉で「〜を」撮りました。これが、旧来の映画との決定的な違いです。旧来の映画は、マイノリティを悲劇的なケースとして演出しましたが、ここではリアリティが社会学的な装飾ではなく、美的手法となりました。
現場では、スタジオセットアップではなく、自然な光の状況が実践されました。共同生活の場、占拠された家、路面電車など、カメラが変容させるのではなく、記録する場所を撮影しました。ハンドヘルドカメラが標準となり、例外ではなくなりました。編集は荒く、洗練されていません。モンタージュは、古典的な三幕構成ではなく、日常のリズムの論理に従いました。対話は、磨き上げられたものではなく、リアルに聞き取られたものです。しばしば、これらの映画は非常に少ない予算で制作されましたが、それは欠点としてではなく、芸術的な必要性として受け止められました。ミニマリズムは、ここでは表明なのです。
これらの映画に共通するのは、確立された映画の道徳的な明確さを拒否していることです。主人公は古典的な意味でのヒーローではなく、失敗し、矛盾し、何も大きなことを成し遂げない人物です。これは、観客に明確な感情的な立場を取ることを拒否したため、急進的でした。観客は座って、社会を拒否する人々を見ますが、カメラはそれが正当かどうかを問いません。そもそも何も問いません。
技術的な編集やカラーコレクションにも、それは今日まで現れています。ギャンブラー映画は、人を惹きつける生々しさを持っています。それは技術が悪かったからではなく、洗練がイデオロギー的な敵と見なされたからです。粒子感があり、しばしば露出過多で、しばしば白黒で撮影された—それがリアリティの文法でした。今日、そのような映画は修復されますが、修復家は決定しなければなりません。改善するか、保存するか？正しい答えは、ほぼ常に「保存する」です。傷跡こそが、その作品なのです。