古典的ハリウッド映画の叙述規約——目立たぬ編集、連続的空間、心理的動機付け。モダニストの反発対象。
「クラシック・ドクトリン」とは、撮影現場や編集において、物語を「見えない」形で語るための手法を定めたものである。つまり、観客に編集されていることを意識させないようにする。これは単なる理論的な概念ではなく、1920年代以降、編集室や演出上の決定を導いてきた作業指針である。連続した空間、因果関係に基づいた物語の論理、登場人物の心理的に理解可能な動機付け――これらの要素が、カメラはただ観察しているだけで、決して操作していないかのような幻想を生み出す。
実際には、180度ルールの原則に従って編集し、ショットから次のショットへの切り替えではマッチカットを多用し、空間感覚の飛躍を避ける。モンタージュはアイライン・マッチや、シンメトリーなショット・リバースショットのシーケンスを用いる。あらゆるカットは物語によって動機付けられるべきであり、スタイルや実験によってではない。パンやズームは物語上の根拠がなければ、邪魔になる。現場では、カメラポジションは計算可能であり、ライティングは視覚的な挑発ではなく、心理的な明確さに準拠する。連続性は神聖なものである。
このドクトリンは、スタジオ時代の経済的・心理的な考察から生まれた。クラシック・ハリウッドは、観客の最大限の同一化、感情的な透明性、そして観客を現実に引き戻すような中断を求めた。プロダクション・コード（検閲制度）はこの傾向を強化し、形式は道徳的かつ物語的に直線的でなければならなかった。このドクトリンは、1940年代、1950年代のあらゆる大スタジオ映画に見られる。オーソン・ウェルズは『市民ケーン』で、ディープフォーカスなワンシーン・ワンカットや予期せぬカメラワークによって、すでにこれを攻撃していた。ヌーヴェルヴァーグの映画監督、例えばゴダールは、この「見えなさ」を明確に拒否し、編集が見えること、人工性を感じさせることを意図した。
現代では、私たちはしばしば緊張関係の中で作業している。商業映画（マーベル、スタジオドラマ）は、それが機能するため、このドクトリンに従っている。インディペンデント映画やアートハウス作品は、意図的にそれを破り、ジャンプカット、可視的なモンタージュ、空間的な混乱をスタイルの道具としている。ドーピング（撮影監督）としては、監督がクラシックな「見えない」スタイルを望むのか、それとも意図的に「見える」スタイルを望むのかを知っておくべきである。それは、ライティング、カメラワーク、ショットサイズ、編集リズムのあらゆる側面に影響を与える。このドクトリンはもはや絶対的なルールではなく、情報に基づいた選択であり、それを習得するために、あるいは意図的に破るために知っておくべきものである。