1970年代のアフロアメリカン・アクション映画——『Shaft』『Coffy』——黒人主人公、ソウルサウンドトラック、都市暴力。自己表現と搾取的固定観念の間の物議をかもす映画ジャンル。
1970年代、黒人の主人公を脇役や犠牲者ではなく、自らの物語を支配するヒーローとして中心に据えたアクション映画の波が劇場に押し寄せた。それは、それ以前のものとは異なる方法で、撮影現場とポストプロダクションで機能した。カメラは都会の空間で黒人の身体を追い、音楽はオーケストラではなくソウルやファンクであり、編集はより速く、暴力はより直接的だった。撮影監督として、すぐにわかったことがある。これは、黒人を犯罪者や奴隷として見たい白人の観客のために撮影されたのではなく、映画が彼ら自身のコミュニティに語りかけていたのだ。
これらの映画を複雑にしていたのは、まさにこの両義性だった。彼らは、ゴードン・パークス、メルヴィン・ヴァン・ピープルズ、そして後にジョン・シングルトンといった黒人スターと、プロダクションにおける黒人のコントロールを生み出し、それによって撮影現場での黒人の雇用も生み出した。同時に、彼らはブラックスプロイテーションの機械から生まれたステレオタイプ、すなわち攻撃的な黒人男性、過度に性的な黒人女性、そしてスペクタクルとしての都会の暴力といったものと戯れていた。それは偶然ではなかった。予算は少なく、スタジオは迅速な利益を求めており、性的・肉体的な暴力は売れた。これらの映画が黒人コミュニティを解放したのか、それとも黒人男性を脅威と見なす白人観客のために新たなイメージを作り出しただけなのかという議論は、これらの映画の編集と並行して行われていた――そしておそらく、その答えは「両方」だっただろう。
撮影現場では、その職人的なエネルギーを感じた。クルーは小さく、撮影日は長く、即興性は大きかった。ライティングは黒い肌を問題としてではなく、舞台として捉える必要があった。カメラの動きは自由で、古典的な構図からは離れていた。ポストプロダクションでは、編集は単なる物語構造ではなく、音楽そのものと同様にリズム楽器となった。これらの技術的な選択は政治的な選択だった。ハードウェア、予算、クルーが異なっていたため、主流のハリウッド映画のように撮影することはできなかった。そして、この必要性から、機能する美学が生まれた。
今日、このジャンルは影響を与え続けている。アクション映画における表現、誰がカメラを持ち、誰がその前に立つかについての議論は、そこから始まっている。そして、ブラックスプロイテーションの監督たちが不足から生み出した職人的な自由は、黒人映画製作者たちが空間と身体をどのように考えるかに今も影響を与えている。