監督がすべての視覚的・物語的決定を干渉なしに行う——フレーミング、演技、編集。オーテウール原理。
芸術的統制
撮影現場で誰が最終的な決定権を握るかが、最終的な結果を左右する――そしてそれは決して些細なことではない。芸術的統制とは、単に監督が指示を出すことではない。それは、最初のコンセプトから最終的なバージョンに至るまで、一人の人間が物語を視覚的かつ物語的にどのように実現するかを一貫して決定することだ。カメラアングル、編集リズム、サウンドデザイン、カラーグレーディング――これらすべてが一人の手に委ねられる。理想的な状態に聞こえるが、現実には芸術的な野心と経済的な制約との絶え間ない交渉である。
実際には、しばしば異なる様相を呈する。スタジオや制作会社は数百万ドルを投資し、編集やポストプロダクションでの変更を強制する権利を留保する。プリファイナンスモデルは出資者に発言権を与える――そしてそれによって芸術的統制は急速に失われていく。一部の監督は、自分の編集バージョンが同意なしに改変されないことを保証するために、契約にファイナルカット条項を盛り込むよう激しく交渉する。他の監督は、資本提供者が少ないほどプレッシャーも少ないローバジェットセグメントで意図的に活動する。劇場公開版対スタジオ編集版を巡る伝説的な論争（例えば1980年代のSFブロックバスターなど）は、この問題がいかに品質にとって決定的であるかを示している。
芸術的統制は、カメラチームやアート部門との協力にも及ぶ。明確なビジュアルコンセプトを持つ者は、レンズから照明設定まで、それを貫徹する。撮影監督としては、監督が自分の望むものを知っているのか、それとも単に実験しているだけなのか、すぐにわかる。真の統制力を持つ監督は、一貫したビジュアル言語を持っている。それは作業をより速く、より集中的にする。対照的に、弱い統制は妥協、後でカットされることになるショット、そして無駄な撮影時間につながる。
ヌーヴェルヴァーグの「作家主義」理論は、まさにこのコンセプトを称賛した――つまり、一人のビジョンが貫徹されたことによって、映画が個人的で独特な芸術的シグネチャーを持つというものだ。現代の映画製作は、特に複数の意思決定レベルを持つ大作においては、この理想をしばしば曖昧にしてきた。それにもかかわらず、リンチやPTAのような監督が伝説となっているのは、彼らがその統制を懸命に勝ち取ったからである。