物語のない映画——抽象形式と視覚的リズムのみ。1920年代前衛派：動きがナラティブに代わる。実験映画の本質。
絶対映画は、1920年代に、あらゆる物語構造からの急進的な決別として誕生しました。物語、キャラクター、セリフではなく、動き、形、リズム、光のみです。私たち撮影監督や編集者にとって、これは完全な再調整を意味しました。映画は純粋な視覚的手段、「視覚音楽」へと変わったのです。アヴァンギャルドたちがそう呼んだように。プロットポイントも、説明もありません。あらゆるカット、あらゆるカメラの動き、あらゆるトランジションの長さは、物語としてではなく、一つの構成として機能します。
セットや編集作業での具体的な作業では、論理よりもリズムが優先されます。シーンの流れではなく、動きのパターンを計画します。カメラの軌跡は、他のショットとの関係性（長さ、テンポ、方向転換）を持つ幾何学的または有機的な線に沿います。編集のリズムは構成となり、カットの長さはドラマティックな必要性からではなく、音楽的な比率から生まれます。光の変化、オーバーラップ、カメラアングルはすべて、物語ではなく視覚的な構文に奉仕します。シーンではなく、視覚的なモチーフで作業します。回転する形、変化する影の落ち方、繰り返され変化するカメラの動きなどです。
実践的には、『Rhythmus 21』や『Opus I–IV』のような映画でそれを認識しました。現実の模倣ではなく、純粋な幾何学と動きです。技術者であるあなたにとって、これは、カットに対する心理的な動機付けがなく、古典的な意味での連続性がないことを意味します。代わりに、形式的な対比（明るい/暗い、速い/遅い、大きい/小さい）で作業します。あらゆるトランジションは、カットを隠すためのトランジションテクニックではなく、一つのコードです。
実験映画やアヴァンギャルドとの理論的な区別は曖昧ですが、絶対映画は、ドキュメンタリー的または象徴的なアンカーポイントなしの最大限の抽象化を意味します。それは、視覚メディア自体の自律性、つまり、文学やドラマの伝達媒体ではなく、独立した芸術形式としての映画を意味します。今日でも、アーティストや商業プロデューサーは、ビジュアルエフェクトのシーケンスやイントロが、物語の文脈から切り離されて純粋にリズミカルに構成される場合に、これらの原則を用いています。