道格玛95

定义与起源

“末日电影95”（Dogme 95）是一场艺术宣言和电影革命，由丹麦电影制作人拉斯·冯·特里尔（Lars von Trier）和托马斯·温特伯格（Thomas Vinterberg）于1995年发起。末日电影95的悖论在于，最大限度的限制创造了最大限度的艺术自由。通过禁止人工照明、音乐、化妆和特效的规则，末日电影的倡导者迫使电影制作人专注于真实的事物——表演、对话、真实场景、真实人物。这是对20世纪90年代过度制作、虚假造作的电影——欧洲艺术电影和好莱坞大片——的一种反击。

末日电影的宣言被表述为一份激进的政治文件，附有电影制作人可以签署的“贞洁誓言”。遵守所有末日电影规则的影片将获得末日电影认证。

末日电影规则（贞洁誓言）

十条末日电影规则是激进且严格的：

1. 仅使用自然光——禁止使用人工光源。影片必须使用窗户、路灯等自然光进行拍摄。
2. 声音必须与画面同步——禁止使用独立的音轨、音乐或非画内音效。
3. 摄影机必须手持拍摄——禁止使用三脚架、变焦、轨道车及其他技术设备。摄影机必须记录现实，而非控制现实。
4. 允许使用彩色，但禁止使用滤镜——影片必须呈现自然色彩。禁止色彩校正或人工色彩处理。
5. 禁止改变画面比例——画面比例必须保持一致。禁止使用宽银幕效果。
6. 禁止使用特殊效果——禁止使用CGI、光学效果或特技摄影。
7. 故事不得发生在30年以前或30年以后——故事必须发生在当下，而非历史。
8. 故事必须发生在真实世界——禁止虚构世界、科幻或奇幻。现实是故事的背景。
9. 画面必须为学院格式（1.37:1）——后来修改为标准格式。
10. 导演不得署名——影片以末日电影认证署名，而非个人创作。

视觉特征与风格技巧

手持摄影：手持摄影的美学创造了亲近感和真实感。摄影机以记录片的方式跟随角色，而非控制他们。

自然光：没有人工照明，画面通常会显得昏暗、有颗粒感、不均衡。这创造了纪录片式的真实感，而非电影式的幻觉。

数字视频：末日电影常常使用DV摄影机而非35毫米胶片。早期数字视频的颗粒感和较低的分辨率是对过度制作、完美化电影的一种视觉声明。

聚焦表演：没有技术特效，表演成为核心。情感必须真实——不能通过视觉技巧来操纵情感。

画内音效：所有声音必须来自剧情本身。没有配乐，除非是场景中正在播放的音乐。这创造了一个真实的音频世界。

空间真实性：拍摄地点通常是真实的、不加修饰的——真实的房屋、真实的街道、真实的室内空间。

历史背景

末日电影95诞生于20世纪90年代中期，是对以下几种现象的回应：

1. 过度生产：好莱坞大片变得越来越昂贵、宏大和虚假。与此同时，欧洲艺术电影也变得越来越矫揉造作、自恋。
2. 数字革命：DV摄影机在20世纪90年代中期变得可用，价格低廉且易于使用。这使得以最少的资源进行新的电影制作成为可能。
3. 后现代疲惫：在经历了数十年的引用技巧和自我参照后，许多艺术家对后现代主义感到厌倦。末日电影是一种回归艺术真实和真诚的方式。
4. 丹麦电影：丹麦拥有强大的电影文化，拥有促进实验性方法的电影学院（Det Danske Filmskole）。

关键人物与电影制作人

拉斯·冯·特里尔（1956-）——末日电影95的联合创始人，执导了《破浪》（Breaking the Waves, 1996）和《黑暗中的舞者》（Dancer in the Dark, 2000）。他的电影将末日电影规则与叙事和视觉创新相结合——尽管受到限制，但作品却充满情感，技术上却巧妙。

托马斯·温特伯格（1969-）——末日电影95的联合创始人，执导了《家庭庆典》（Festen, 1998），这是一部新现实主义家庭剧情片。温特伯格的电影表明，通过末日电影的限制，真实性和情感可以得到加强。

索伦·克拉格-雅各布森（1947-）——早期的末日电影制作人，他的《米弗恩》（Mifune, 1999）表明，即使是爱情故事在末日电影的条件下也能成功。

克里斯蒂安·莱夫林（1957-）——一位实验性的末日电影制作人，他的《末日之王》（The King of Dogme）后来讽刺性地质疑了他最初的信念。

关键电影与杰作

《家庭庆典》/Festen (1998, 托马斯·温特伯格)——一部末日电影认证影片，讲述了一个家庭聚会，儿子揭露了父亲的乱伦虐待行为。影片采用手持摄影，使用自然光（通常昏暗、有颗粒感），没有配乐。其真实性令人难以置信——没有视觉上的操纵，表演必须承载真实的情感冲击。

《破浪》/Breaking the Waves (1996, 拉斯·冯·特里尔)——一部关于苏格兰一位虔诚的女性，她为了她残疾的丈夫而“牺牲痛苦”的故事。这部电影在技术上并非末日电影（冯·特里尔尚未创立末日电影），但它受到了末日电影的直接启发。手持摄影、自然光和情感真实定义了冯·特里尔对末日电影原则的应用。

《黑暗中的舞者》/Dancer in the Dark (2000, 拉斯·冯·特里尔)——一部关于一位美国盲女，她试图保护她的家人。影片将纪录片式的现实主义（用于非歌舞场面）与精心制作的音乐剧场面相结合，解构了末日电影的原则。冯·特里尔利用末日电影的限制来创造更大的情感效果。

《白痴》/Idioterne (1998, 拉斯·冯·特里尔)——一部关于一群年轻人通过装傻来寻求存在解放的电影。影片以末日电影风格拍摄，采用手持摄影和自然光。对残疾描写的争议反映了末日电影真实性的直率。

《米弗恩》/Mifune (1999, 索伦·克拉格-雅各布森)——一部末日电影认证影片，讲述了一对在丹麦相遇的男女。一部简单、亲密的戏剧，采用手持摄影、自然光拍摄。其简洁性令人着迷。

技术方面与电影创新

末日电影的规则刻意追求极简主义：

• DV摄影机而非35毫米胶片，实现了设备最小化
• 强制自然光照，需要长时间的拍摄（尤其是在丹麦的冬季）
• 手持拍摄要求摄影师有体力耐力
• 单系统录音（摄影机内置录音），无独立录音
• 最小化团队——末日电影以小型团队拍摄，增强了创造力

影响与遗产

末日电影95产生了矛盾的影响：

1. 真实性运动：末日电影激发了一场全球性的、反对技术玩具、追求更真实电影的运动。世界各地的电影制作人纷纷采纳了末日电影的原则。
2. 数字电影的合法化：末日电影95使数字视频作为一种艺术媒介合法化。这对向数字电影学的过渡至关重要。
3. 好莱坞的极简主义：甚至像迈克尔·哈内克（Michael Haneke）这样的好莱坞导演也采用了受末日电影启发的技巧——手持摄影、极简音乐、自然光照。
4. 对虚假的质疑：末日电影95对“电影艺术”的含义提出了激进的质疑。这开启了关于真实性与虚假性之间辩论的讨论。

比较与情境化

对比新好莱坞：新好莱坞将艺术野心与视觉创新相结合，而末日电影95则采取了相反的立场——通过放弃视觉创新来实现艺术野心。

对比法国新浪潮：两者都是对既定体系的艺术反叛，但法国新浪潮追求形式自由，而末日电影追求形式限制。

对比意大利新现实主义：两者都强调真实性和真实场景，但新现实主义是政治驱动的，而末日电影是美学和哲学驱动的。

争议与批评

末日电影95并非没有争议：

1. 人为的真实性：批评者认为，末日电影的规则本身就创造了人为性——这些限制是人为的，可能阻碍而非促进真实性。
2. 实际操作问题：这些规则很难遵守。许多“末日电影认证”的影片都违反了规则（冯·特里尔后来承认他违反了末日电影的规则）。
3. 精英主义：末日电影运动被批评为精英主义——只有有资源的电影制作人才能进行末日电影的制作。

运动的终结与遗产

作为一种正式运动，末日电影95于21世纪初结束。许多最初承诺遵守末日电影规则的电影制作人并没有坚持多久。但其理念和原则仍然具有影响力。

至今仍有遵循末日电影原则的当代电影涌现——采用手持摄影、极简音乐、自然光照的影片。末日电影95仍然是那些追求真实性和艺术真诚的电影制作人的重要参考。