मातृभूमि फ़िल्म

1945 के बाद, जर्मन सिनेमा को एक पलायन मार्ग की आवश्यकता थी — और Heimatfilm ने उसे प्रदान किया: खंडहरों के बजाय पहाड़, खंडहरों की महिलाओं के बजाय डिर्डल, सायरन के बजाय जेडलर। यह शैली एक सामूहिक चिकित्सा के रूप में कार्य करती थी, न कि एक कलात्मक प्रयोग के रूप में। आप कैमरे को आल्प्स के परिदृश्य में रखते हैं, एक सरल प्रेम कहानी बनाते हैं, लोक संगीत और शिल्प कौशल से भरी कहानी से सजाते हैं — और दर्शक दो घंटे के लिए वर्तमान में न रहने के लिए भुगतान करते हैं।

महत्वपूर्ण बात यह है कि Heimatfilm जानबूझकर बनाया गया किट्च था, और यही उसकी ताकत थी, कमजोरी नहीं। संपादन धीमा काम करता था, प्रकाश व्यवस्था गर्म और नरम — ऐसे प्रकाश के बारे में सोचें जो पुरानी खिड़कियों से गिरता है, स्पष्टता के बारे में नहीं। रंग बाद में (50 के दशक के मध्य से) पलायन का माध्यम बन गया: टेक्नीकलर जैसी संतृप्ति, आल्प्स की चमक, लाल होंठ। सेट पर इसका मतलब था: लंबे एक्सपोजर समय, विसरित प्रकाश तंबू, प्राकृतिक स्रोतों का अधिकतम उपयोग। कोई कंट्रास्ट नहीं। कोई बेचैनी नहीं। कैमरा तिपाई पर खड़ा रहता था और तब तक इंतजार करता था जब तक कि अभिनेत्री खिड़की पर आकर उदास-सुंदरता से बाहर न देखे — एक ऐसा शॉट कंपोजीशन जिसे आपने सौ बार देखा होगा।

जिसे बाद में फिल्म सिद्धांत में आलोचना की गई — अतीत से मुंह मोड़ना, विस्थापन तंत्र के रूप में पुरानी यादें — वह निर्माताओं और दर्शकों के लिए एक शुद्ध उत्तरजीविता रणनीति थी। Heimatfilm ने युद्ध के अनुभव को नकारा नहीं; इसने उस पर एक अलग वास्तविकता थोप दी। उस समय के मेलोड्रामा के समान, लेकिन कार्य में बिल्कुल विपरीत: जहाँ मेलोड्रामा ने पीड़ा दिखाई, वहीं Heimatfilm ने परिदृश्य और रीति-रिवाजों के माध्यम से मुक्ति दिखाई।

व्यावहारिक रूप से इसका मतलब था: पहाड़ी मनोरम दृश्यों के लंबे एस्टेब्लिशर-शॉट, दृश्यों के रूप में कोरियोग्राफ किए गए लोक उत्सव, स्पष्ट कथात्मक समाधान। कोई खुला अंत नहीं। कोई अस्तित्व संबंधी प्रश्न नहीं। संपादन क्लासिक, मनभावन था — एक लय जो आंख को चुनौती नहीं देती थी। पीटर स्टीनर या हंस डेप्पे जैसे निर्देशक अवचेतन के कलाकार नहीं थे; वे उपचार के कारीगर थे। यह शैली मर गई, इसलिए नहीं कि यह खराब बनाई गई थी, बल्कि इसलिए कि अगली पीढ़ी ने आगे सपने देखने से इनकार कर दिया।