Markierter Startpunkt einer Audiodatei — ermöglicht präzises Anfahren bestimmter Stellen im Schnitt.
Cues werden mittels SMPTE-Timecode auf 1/24-Sekunden-Basis (bei 24fps) synchronisiert und in der Regel mit einer Vorlaufzeit (Pre-Roll) von 2-8 Takten komponiert. Die Nummerierung erfolgt systematisch nach Reel-Struktur: "1M1" bezeichnet das erste Music-Cue in Reel 1. Moderne Digital Audio Workstations (DAWs) wie Pro Tools arbeiten mit Cue-Listen, die Start-TC, End-TC, Fade-In/Out-Punkte und Hit-Points (exakte Sync-Momente) enthalten. Streamers - visuelle Countdown-Hilfen mit 3-2-1-Markierungen - bereiten Musiker auf Cue-Einsätze vor.
Unterschieden werden Music-Cues (orchestrale oder elektronische Kompositionen), Source-Cues (diegetische Musik aus der Filmwelt) und Effects-Cues (atmosphärische Klanglandschaften ohne melodische Struktur).
Das Cue-System entstand 1927 mit dem Übergang zum Tonfilm, als Warner Bros. für "The Jazz Singer" erstmals synchrone Musik-zu-Bild-Zuordnungen katalogisierte. Max Steiner etablierte 1933 bei RKO die noch heute gültige Cue-Sheet-Systematik für "King Kong" mit 47 nummerierten Einzelcues. 1950 führten die Major Studios standardisierte Cue-Längen von 10 Fuß Film (6,67 Sekunden bei 24fps) als kleinste Einheit ein.
Die Digitalisierung brachte 1985 mit dem MIDI-Timecode präzisere Synchronisation. Seit 2010 ermöglichen Cloud-basierte Systeme wie SessionWire Echtzeit-Kollaboration zwischen geografisch getrennten Komponisten und Orchestern.
John Williams strukturierte die 134-minütige "Star Wars"-Partitur (1977) in 21 Haupt-Cues, wobei Cue "1M1 Main Title" exakt 5:20 Minuten dauert. Hans Zimmer entwickelte für "Inception" (2010) das modulare Cue-Konzept: Grund-Cues in verschiedenen Tempi, die je nach Final Cut angepasst werden können.
Der Spotting-Prozess definiert Cue-Platzierung: Regisseur und Komponist markieren Einsatzpunkte im Rohschnitt, typischerweise 25-40 Cues pro 90-Minuten-Film. Moderne Temp-Tracking verwendet bestehende Cues als Platzhalter für die finale Komposition.
Cues unterscheiden sich von Stings (kurze Akzente unter 10 Sekunden) und Beds (durchlaufende Hintergrundmusik ohne definierten Endpunkt). Bumpers - 2-5 Sekunden lange Übergangselemente - fungieren als Mini-Cues zwischen Szenen.
Adaptive Music Engines in Videospielen ersetzen statische Cues durch algorithmusgesteuerte, endlose Variationen. Streaming-Plattformen favorisieren längere Cues (3-6 Minuten) gegenüber der TV-typischen 30-90 Sekunden-Segmentierung, da Werbeunterbrechungen entfallen.
Ich orientiere mich bei Kamerabewegungen an den geplanten Music-Cues, besonders bei Schwenks oder Zooms, die auf musikalische Akzente treffen sollen. Die Cue-Liste aus der Spotting-Session zeigt mir, wo emotionale Höhepunkte durch Musik verstärkt werden – dort plane ich entsprechende Bildkompositionen oder Lichtveränderungen ein.
Cues sind meine emotionalen Werkzeuge für Pacing und Stimmungsführung – ich platziere sie strategisch vor Wendepunkten oder nutze sie, um Subtext zu transportieren, den der Dialog nicht leisten kann. Bei Action-Sequenzen komponiere ich Schnittrhythmus und Cue-Struktur parallel, damit beide Ebenen die Spannung gleichmäßig steigern.
Ein 90-Minuten-Film benötigt durchschnittlich 35-45 Cues, was bei Orchestrierung 12-18 Studio-Tage bedeutet und 80.000-250.000 Euro Musikbudget. Ich kalkuliere zusätzlich 15% Puffer für Cue-Änderungen nach Testvorführungen ein, da nachträglich komponierte Cues die teuersten Produktionsminuten sind.
1. Was beschreibt „Cue" am besten?
2. Zu welchem Department gehört „Cue"?
3. Wie viele verschiedene Fachperspektiven bietet dieser Eintrag?
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