维也纳电影美学—心理深度、城市忧郁、文学改编。特征：极简主义和克制的摄影。
维也纳电影美学并非源于某个宣言式的运动，而是有机地生长于奥地利文学传统、一种特定的摄影语言以及对内在状态的心理兴趣的交汇之中。在片场，你立刻就能感受到这一点：在其他摄影师追求戏剧性运动的地方，这里则侧重于静止，侧重于长镜头静态画面，将空间和人物置于一种近乎难以忍受的张力之中。重点不在于运动本身作为一种效果，而在于存在感和分量。
迈克尔·哈内克将这种态度推向了极致——他的摄影机极其隐蔽，几乎难以察觉。这不是放弃，而是最大限度的控制。你在这里计算每一个像素：人物在画面中的位置？你允许多大的景深？维也纳式摄影放弃了快速剪辑，放弃了通过节奏进行的操纵。取而代之的是，它利用时长作为一种戏剧性工具。索科洛夫，同样在这个美学宇宙中工作，也采用了类似的方式——长镜头，将观众带入一种恍惚状态。这是刻意的摩擦。
文学成分至关重要：这些电影中的许多都改编自奥地利或德语散文——卡夫卡、伯恩哈德、汉克。这使得人们更加关注心理的细微之处，关注那些未被说出的东西。你的摄影工作成为这些空白的补充。你拍摄人物的特写镜头，但并非亲密无间——更像是医生在进行诊断。即使在近距离，距离感依然被保持。
在实践中，这意味着：自然光或极其微妙的光线塑造。没有浮华的照明。色彩通常是去饱和的，偏灰蓝或秋季色调。画面中的运动是最小化的——如果一个人移动了，那便是一件大事。剪辑遵循这一逻辑：在制作阶段，你就已经开始构思长镜头序列，而不是短镜头。这要求演员高度集中，摄影师拥有钢铁般的神经，因为一个镜头可能长达七分钟，而第四分钟的一个错误就会毁掉一切。
克拉尔斯菲尔德和其他当代该传统的代表人物在公式上有所变化，但原则不变：摄影机是内在探索的工具，而非外在行动的工具。这是一种禁欲主义的美学，但目标是实现最大的情感精确度。