娱乐电影（1920年代–1940年代）以音乐歌舞团形式构成——歌曲、舞蹈、杂技表演，通过松散情节连接。齐格菲尔德和UFA奠定格局。
在摄影棚拍摄歌舞片意味着要告别经典的叙事结构。你处理的是一系列独立的单元——歌唱、舞蹈、杂技、短剧——它们之间仅由一条薄弱的情节线或单纯的时空联系起来。20世纪20年代至40年代的歌舞片基本上是一种舞台形式，被摄影机所征服，但并未否认其歌舞表演的根源。作为摄影师，你的任务是为每个单元提供最佳的灯光和布景——既不“打断”它们，也不在戏剧性上过度负荷。
这种工艺与叙事长片有着根本的区别。例如，在舞蹈场景中，摄影机被设置成能够完整地展现队形和动作——通常是正面拍摄，通常是优雅的全景镜头，有时通过全景和特写之间的巧妙剪辑来实现。灯光必须完美地捕捉到每个表演者，而不会产生破坏构图的戏剧性阴影。UFA的制作——例如由莉莲·哈维主演的影片，或其大制作影片中歌舞片式的结构——展示了这种约束可以多么精确：每个单元本身就是一个小小的完美，融入到一个更大的奇观之中。美国的花生酱大王弗洛伦茨·齐格菲尔德遵循着类似的原则——摄影机就像坐在最佳位置的观众，存在着，但不具侵略性。
戏剧性的挑战在于在各个单元之间建立意义。歌舞片需要一个框架故事——通常很薄弱：一个歌舞团，一个剧院，一个舞会——来创造过渡。这些过渡往往是最困难的镜头：它们必须快速奏效，同时又不打破观众期望从一个单元到下一个单元所感受到的节奏。剪辑顺序非常严格：一个大的队形之后，常常是亲密感；狂喜之后，是平静。
如今，“歌舞片”一词主要用于历史分类。对你在摄影棚的工作而言，重要的是要理解，歌舞片的逻辑——单元式的结构、没有深刻心理描写的奇观、形式上的完美——在许多现代音乐剧、表演甚至广告中仍然存在。在松散的框架故事中运作的、独立完整的、视觉上完美的序列的原理是永恒的。