1960年代巴西电影运动——粗糙的美学、政治张力、低预算游击战式制作。格劳贝尔·罗查的宣言。
Cinema Nôvo
在20世纪60年代初，巴西出现了一场运动，它试图从根本上重新思考电影——不是将其视为工作室的工艺品，而是视为街头的政治工具。Cinema Nôvo与其说是一种形式上的流派，不如说是一种态度：像Glauber Rocha、Nelson Pereira dos Santos和Ruy Guerra这样的电影制作人使用廉价的16毫米摄像机、临时的摄制组和真实的场景而非布景进行拍摄。他们拒绝光滑的荷里活惯例——没有影棚灯光，没有打磨过的对白，没有戏剧性的讨好。取而代之的是：颗粒感、手持摄影、长镜头、直接剪辑而无过渡。这是一种早期形式的游击电影制作，同时源于经济上的匮乏和政治上的意愿。
Cinema Nôvo与欧洲作者电影的区别在于其激进的形式主义与社会参与的紧密结合。Rocha在1965年提出了他著名的宣言——一种源于巴西现实本身的“贫困美学”的公式。画面不应取悦，而应刺痛。剪辑即政治姿态。像《太阳之神与魔鬼》(1964)这样的电影，运用了激进的构图、意想不到的剪辑跳跃、黑屏和令人惊讶的声音剪辑，以扰乱观众——不是因为其美学上的趣味，而是因为这种不安本身就是信息。被压迫的人民，混乱的景观，碎片化的叙事。
对于实际的电影制作而言，Cinema Nôvo意味着一种发现：不需要很多钱就能拍出真实、有影响力的画面。自然光、实景拍摄、可以在拍摄过程中即兴创作的小型摄制组。这减少了技术和行政上的开销，并将创造力转移到表演、构图和剪辑节奏上。这些原则后来在欧洲各地产生了影响——在Godard那里，在Dogma电影制作人那里，以及在纪录片运动中。Cinema Nôvo并非纪录片主义，但它从中学习。摄像机比幻觉更信任现实。
其长远影响不在于直接模仿，而在于其“许可”：即可以用更少的资源开始，而不必撒谎。粗糙的画面并非缺陷，而是更真实。Cinema Nôvo表明，政治电影不是通过宣言来表达，而是通过电影本身的颗粒感来表达。