独立資金で制作され、実験的なことが多い映画——実験的なナラティブ、ローファイ美学、サブカルチャー主題。スタジオ制約を超えた創作自由。
金銭的な制約がなくなり、それに伴って無節操さも消滅したときに創造の自由が始まる――それがアンダーグラウンド映画の核となる原則である。スタジオの検閲官に追われることもなく、シーンを却下するプロデューサーもなく、興行収入への恐れもなく、あなたは制作する。それは同時に、16mmまたはDVで撮影し、ロフトや地下鉄の駅で撮影し、俳優にはピザで、あるいは無償で支払うことを意味する。その美的粗さは欠点ではなく、プログラムなのだ。
アンダーグラウンド映画は、ジャンルよりもむしろ制作のエコロジーと芸術的な姿勢によって定義される。1960年代――ニューヨーク、ジョナス・メカス、アンディ・ウォーホル――には、意図的に物語の慣習を破壊する映画が生まれた。何時間にもわたる固定ショット、オーバーラップ、ドラマツルギー的な因果関係ではなく連想的な編集リズム。それは能力不足ではなく、古典的な映画への反抗だった。アンダーグラウンド映画は言う――スタジオ作品は嘘だ。我々は疎外を通じて真実を示す。
セットでは、その違いはすぐにわかる――ガファーチームもなく、教科書通りの照明セットアップもない。あなたは実用的な照明器具で即興し、窓の光を利用し、粒子感とぼかしを受け入れる。編集は、商業的なサスペンス曲線ではなく、連想的な思考に従う――非難されるジャンプカット、ループ、音声の不一致は、間違いではなくスタイル要素である。シャーリー・クラークやケネス・アンガーのようなアンダーグラウンド監督は、制約から映像言語を構築した。それは概念的なラディカリズムを強いた。
実践的な利点――最大限の創造的自由、最小限の官僚主義。欠点――流通はほとんどなく、配給ネットワークもない。アンダーグラウンド映画は、映画祭の流通、アートハウス・シネマ、そして後のビデオ交換によって生きている。観客は少ないが、熱狂的だ。今日、アンダーグラウンドと低予算インディペンデント映画は混ざり合っている――特にデジタルカメラが制作コストを崩壊させて以来、境界線は曖昧になっている。しかし、その姿勢は残っている――商業的な合理性よりも芸術家のコントロール、繰り返しよりも実験。アンダーグラウンド映画を作る者は、芸術的な真正性を優先するために大衆を意図的に放棄する――それはセットのあらゆるショットで感じられる決断である。