90年代デンマークの映画宣言——人工性への徹底的な反発。ハンドヘルド、自然光、スコアなし。フォン・トリアーとビンターベルグが主導した純粋主義。
1990年代後半、4人のデンマーク人映画監督が立ち上がり、自分たちが望まないものを書き出した。オーケストラ音楽なし、人工照明なし、気を散らすためのハンドヘルドカメラ効果なし — その代わりに、生の素材そのものに語らせる。それは理論的な遊びではなく、彼らが映画やテレビで腐敗していると感じていたもの、つまり完璧な演出の嘘に対する意図的な一撃だった。
セットでは具体的に何を意味したのか？ カメラは三脚に据え置かれるか、手持ちで動かされた — 安定化やトリックなしで。照明は、昼光と撮影場所にある既存の光に限定された。音楽は劇中音楽のみ、つまり物語の世界そのものから来るもの — ラジオ、蓄音機、歌う本物の人々 — でなければならなかった。編集は目立たないようにし、物語は直線的に進むべきだった。それは急進的に聞こえた、なぜならそれがそうだったからだ。感情的に操作する顔のクローズアップなし。キャラクターの死の際にバイオリンの音量が増すこともなし。観客は、映画に指示されるのではなく、自分自身の感情を整理する必要があった。
私たち実務家にとって、それは挑発だった — 最高の意味で。突然、人工照明なしで作業しなければならない場合、窓がどのように機能するか、壁がどれだけ光を反射するかを学ぶ。あなたはセットと協力するのであって、それに逆らうのではない。ハンドヘルドカメラは自己目的的な揺れではなく、親密さのツールとなった。ドグマ95は、強制下での創造性を強いた — そしてそれはしばしば良い解決策が生まれる点だ。トリアーとヴィンターバーグは、策略を見せるためではなく、真実を明らかにするために撮影した。
もちろん、すべてのマニフェストが正確に守られたわけではなく、ドグマ的な姿勢はマーケティングドラマの一部だった。しかし、核は残った：技術的な圧倒さを芸術的戦略として放棄すること。今日、ミニマリストな設備と自然光でセットで作業する者は、ドグマ95が敷いた足跡をたどっている — たとえその意図が一度も表明されなくても。