物語の語り方——編集のリズム、カメラ配置、タイミング、情報開示。構成された表現、生の出来事ではない。
セットでは、物語が観客にどのように開示されるか、つまり何が語られるかではなく、どのように語られるかについて話す際に「ディスコース」という言葉を使います。それが決定的な違いです。生の筋書き（主人公が部屋に入り、手紙を見つける）は、まだディスコースではありません。ディスコースは、カメラの動き、編集順序、音楽、映像と音のタイミングによって初めて生まれます。これにより、出来事に対する特定の解釈を構築します。
実際には、2人の異なる編集者が全く同じ生素材を全く異なる方法で編集し、2つの相反する感情的または物語的な意味を生み出すことができます。キャラクターが嘘をついているシーンを考えてみましょう。すぐにその目（不安のクローズアップ）にカットすると、ある効果があります。クローズアップを置く前に3秒長く待つと、不快感が生まれます。どちらの場合も同じセリフ、同じアクションですが、ディスコース、つまり伝達方法が根本的に変化します。これが私たちが意味することです。
セット自体では、ディスコースはあなたの構図の選択に現れます。対立をショット・リバース・ショット（古典的で、シーンを視点に分解する）で撮影しますか、それとも動くカメラを使ったロングテイク（緊張感、連続性、異なる知覚）で撮影しますか？どちらのテクニックも同じ物語を語りますが、異なる権威と意味のレベルで語ります。ロングテイクは「これは連続的で避けられないプロセスです」と言います。カットは「ここには矛盾した真実があります」と言います。
ディスコースは時間的でもあります。編集のリズムによって、情報がどれだけ速くまたは遅く開示されるかを決定します。カーチェイスでの速いカットはディスコースです。空のドアに対する20秒の静止ショットもディスコースです。それは期待と恐怖を生み出します。あなたは、世界（出来事）自体は同じままであっても、観客が世界をどのように知覚するかを積極的に操作しています。これが中心的な概念です：ディスコースは映画製作者としてのあなたの声です—キャラクターの声でも、現実の声でもなく、あなたの創造的な伝達です。
だからこそ、ディスコースは理論的かつ実践的な概念なのです。編集ではすぐに気づきます。脚本では目に見えませんが、あなたのミザンセーヌがそれを見えるようにします。