幼少期の物語的または視覚的表現——フラッシュバックや並行モンタージュが多い。キャラクター発展の感情的な基盤。
お分かりだろう。大人がテーブルにつき、古い写真を見つめる。すると、たちまち別の時代へと誘われる。映画における「幼少期」は、単なる伝記的な情報ではなく、その人間を後に駆り立てるもの、あるいは破壊するものの感情的なアクセスキーとして機能する。主人公を理解したければ、すべてを決定づけた瞬間に遡る必要があることが多い。
撮影現場では、二つの次元を同時に扱うことになる。子供時代の空間の視覚的デザイン――天井の高さ、パースペクティブ、上から差し込む光――と、これらの瞬間の場面配置である。幼少期へのフラッシュバックは、単なる挿絵ではない。それは応答の建築である。後に主人公が泣きたいのに泣けないシーンがあったとして、観客がそれを理解できるのは、子供の頃に泣くことを禁じられたのを見たからだ。その時、その無力さは性格の弱さではなく、傷跡となる。
最もよくある間違いは、トーンで起こる。幼少期を描くことは、感傷的になることではない。トラウマ的な幼少期のシーンは、完全に明瞭かつ客観的に撮影されることがある――時には、感情的な音楽に導かれない分、それがより不穏にさえなる。逆に、観客に「これは良い結末を迎えないだろう」と感じさせるように、牧歌的なシーンを撮影することもできる。映像表現がそれを担う。
実践的アドバイス：大人時代の生活と子供時代の生活の間でカラーパレットのシフト――彩度、色温度、粒子感――を用いること。わずかに黄ばんだルック、別のフィルムストック、あるいは（デジタルで）微妙なカラーフィンガープリントが、タイムスタンプなしで時間的な距離感を伝えることができる。子供役者との相対的なカメラの高さに注意すること――単に低くするのではなく、大人の目と当時の子供の目が全体像を異なるように捉えるような空間幾何学を構築するのだ。これはギミックカメラではなく、絵コンテにおける心理学である。
パラレルモンタージュ――あるショットに子供、別のショットに大人――では、両方の時間が同じだけの視覚的スペースを与えられて初めて、感情的な引き込みが機能する。幼少期のシーンを短すぎると、それは現在の力ではなく、説明的な瞬間のように見えてしまう。それらは脚注ではなく、競合する時間性なのだ。