シーンに対するカメラの位置と角度—視点と感情的インパクトを決定する。監督の中核的判断。
照明を設置する前に、カメラがどこに位置するかを知る必要があります。これは単なるロジスティクス上の問題ではありません。カメラポジションは、観客が見るもの、どのように見るもの、そして何よりも何を感じるかを決定します。それは、あなたが下す各ショットの基本的な決定です。
実際には、高さ、距離、そしてシーンに対する角度の3つの要素が関係します。俳優の目の高さにあるカメラは、アイコンタクトと対等性を生み出します。それを低く（膝の高さや床に）配置すると、キャラクターはより支配的、大きく、脅威的に見えます。高い位置（鳥瞰図またはわずかに高い位置）は、キャラクターを弱く見せ、傷つきやすく、または取るに足らないものにします。これは理論ではなく、生来の知覚に訴えかけるため、あらゆる観客に効果があります。
セットでは、撮影日の前にポジションを決定します。理想的には、ロケハン時またはリハーサル中に監督とともに行います。間違った場所は、後で時間とお金を浪費します。ポジションは機材に依存します。超広角レンズを使用する場合は接近が必要ですが、望遠レンズなら離れて撮影できます。高さの違いは緊張感を生み出します。追跡シーンを考えてみてください。追われる人物は高い位置に配置され、カメラは下からパンアップします。これはポジションによるドラマチックなエネルギーです。
周囲環境も忘れないでください。壁に近いカメラは極端なアングルを強制しますが、カメラの前方にあまりにも広い空間があると空虚に見えます。カメラの後ろの空間は、ポジションそのものと同じくらい重要です。そこには照明を設置し、監督はモニターを確認し、必要に応じて俳優のポジションを調整する必要があります。セットの物理的な制約が、あなたの理想的なポジションをどれほど変えるかは、しばしば過小評価されます。
誰もが知っている古典的なポジションがあります。近さと感情のための正面、2人のキャラクター間の視覚的な緊張のための横顔、会話のためのオーバー・ザ・ショルダー。しかし、最良のポジションは、物語を語るポジションであり、ルーチンではありません。意識的に変化させてください。珍しいポジションは、適切に設定されていれば、100回目の標準的なショットよりも強烈に響きます。