半透明スクリーンの後ろからフィルムを投影——俳優は前で演技。スタジオで撮影する車のシーンや異国の背景に使う古典技法。今は廃れたが視覚的に特徴的。
スタジオでリムジンを前に、役者がその中に座り、その背後には街の風景が映し出されている――それがリア・プロジェクションだ。そして、そう、それが見える。常に。理由は単純だ。役者の背後にある半透明のスクリーンに、フィルム素材が後方から照射され、その間に正面のカメラがシーンを撮影する。移動する素材でも静止した素材でも――走行シーン、風景、都市の景観――それがロケーション撮影なしで実現される。この手法は、1930年代から1970年代にかけてハリウッドを席巻した。なぜなら、ロケーション撮影は高価で、ロジスティクス的に過酷だったからだ。
実際には、それはこのように機能する。スクリーン後方にプロジェクターが必要で、カメラと同期させる――あるいは、事前に計画されている場合は、すでに撮影された素材と同期させる。照明が中心的な問題だ。スクリーンは、カメラ映像で読み取れるほど明るくなければならないが、役者を過度に露光させたり、ハレーションを引き起こしたりするほど明るすぎてはならない。さらに、前景と投影された背景とのコントラストが、ほとんど一致しなかった。被写界深度が機能しない――背景がぼやけるか、役者がぼやけるかのどちらかだ。そして、プロジェクターからの光が顔や衣装に当たることで、すぐにわかる人工的で平坦なライティングが生まれる。
それにもかかわらず、リア・プロジェクションは経済的に不可欠だった。実際の車で路上を走行するシーンを撮影するには、数日間の制作、交通整理、カメラカー、複数回のテイクが必要だった。リア・プロジェクションを使えば、スタジオで半日、素材は事前に用意され、カメラは1台、照明条件は制御されていた。垂直同期――カメラが背景素材の正しいフレームで正確に動作すること――は、職人技だった。技術者たちが隣に座り、テンポを叫んでいた。
今日、1960年代のリア・プロジェクションを使った映画はすぐにわかるだろう。背景は車両の動きに対してわずかにずれているように見え、シャープネスの分布が奇妙で、光が完全に合っていない。これは間違いではない――それはその時代の特徴なのだ。LEDウォールやインカメラ・コンポジットのような現代のVFX技術は、リア・プロジェクションを時代遅れにしたが、それを見ることは、プレッシャーの中で生まれる技巧がどのように見えるかを教えてくれる。実用的で、目に見え、その不完全さにおいて正直なのだ。