Crollo d'audience dai cinema dagli anni '50 — televisione e poi streaming hanno decimato il botteghino. Crisi strutturale, non ciclica.
La crisi del cinema non descrive un fenomeno congiunturale passeggero, ma una trasformazione strutturale del comportamento del pubblico, che dagli anni '50 ha smantellato il modello di business tradizionale delle sale. Quella che allora iniziò con la televisione — intrattenimento in salotto, gratuito o a basso costo — portò a un esodo di massa dalle sale cinematografiche. Non si trattava semplicemente di meno spettatori nei fine settimana poco frequentati; era una frattura strutturale che nessuna strategia blockbuster poteva guarire completamente.
Per noi, sul fronte della produzione, ciò significava concretamente: i cineasti dovevano reinventarsi. I grandi studi reagirono inizialmente con formati spettacolari — VistaVision, Cinemascope, più tardi 70mm — per mostrare ciò che la televisione non poteva. Non era decorazione, ma necessità economica. Allo stesso tempo, la logica industriale si spostò: non più un flusso continuo di pubblico grazie a una programmazione costante, ma un cinema-evento con una finestra di uscita a tempo limitato. Questo spiega perché Hollywood, a partire dagli anni '80, puntò su franchise e blockbuster — questi film dovevano incassare il massimo al loro debutto, prima di confluire in altre catene di sfruttamento (cavo, video, più tardi streaming).
La seconda ondata della crisi del cinema ha colpito a partire dal 2010 con lo streaming — Netflix, Amazon — con conseguenze ancora più radicali. Mentre la televisione creava almeno ancora divi del cinema (il pubblico accorreva alla prima), oggi la gente guarda in streaming blockbuster in modo agnostico fin dal primo giorno. Questo ha modificato la drammaturgia della produzione: sequenziamento per schermi piccoli, montaggio più rapido, dialoghi più vicini all'ascolto. Anche il ritmo della distribuzione — un tempo sacro — è stato smantellato.
Per i direttori della fotografia e i registi, il cinema rimane comunque rilevante, ma come forma d'arte, non mercato. Chi gira per il cinema, gira per l'estetica: grande formato, sonoro, esperibile spazialmente. È una scelta consapevole, non un modello di business. La crisi del cinema è stata la migliore lezione di umiltà di cui il fare cinema avesse mai avuto bisogno — ci ha costretto a essere onesti su ciò che solo il cinema può fare e dove altri formati sono migliori. Oggi, un buon progetto cinematografico non è una decisione saggia nonostante questa crisi, ma grazie ad essa.