Studio britannique (1924–1951) — mélodrames exubérants avec profondeur psychologique et costumes somptueux. Antithèse de la retenue d'Ealing.
Ceux qui veulent étudier le cinéma britannique des années 1940 ne peuvent ignorer les productions Gainsborough — et ce, pour une bonne raison. Le studio représentait la force psychologique opposée à l'esthétique rangée et socialement critique d'Ealing. Là où Ealing prêchait la raison, Gainsborough filmait les abîmes intérieurs, l'obsession, la tension sexuelle. Les cinéastes de l'époque — en particulier des réalisateurs comme Basil Dearden et Arthur Crabtree — ne considéraient pas le mélodrame comme kitsch, mais comme un instrument psychologique. Ils mettaient de la profondeur dans la soie et les rideaux de velours.
La signature était inconfondable : costumes somptueux (The Man in Grey, 1943 ; Madonna of the Seven Moons, 1944), décors sombres, une focalisation quasi obsessionnelle sur la psyché féminine fragmentée — traumatisme, folie, passion refoulée. Techniquement, la caméra travaillait avec un éclairage à fort contraste, des jeux d'ombres dramatiques, qui devaient paraître expressifs plutôt que naturalistes. Ce n'était pas du réalisme ; c'était de la projection émotionnelle sous forme d'images. Les distributions étaient volumineuses — multicouches dans l'interprétation — car les personnages devaient être psychologiquement complexes, pas plats.
Sur le plateau, cela signifiait pour l'équipe une manière de travailler différente de celle de la méthode rationnelle d'Ealing. Les productions étaient plus coûteuses, les temps de tournage plus longs, car chaque mouvement intérieur devait être rendu visible. Les décorateurs ne construisaient pas simplement des pièces, ils construisaient des métaphores visuelles d'états mentaux. Les lieux étaient surchargés — de détails qui déroutent, inquiètent. Cela différait fondamentalement du design fonctionnel d'Ealing.
Le déclin après 1951 fut aussi économique — les productions étaient coûteuses et les goûts changèrent — mais aussi idéologique. La nouvelle vague britannique voulait de l'authenticité, pas du théâtre psychologique en soie. Aujourd'hui, cependant, les directeurs de la photographie qui travaillent avec la tension psychologique et la dramaturgie des couleurs voient dans les films Gainsborough un manuel : comment rendre visible l'invisible — culpabilité, folie, désir interdit — par la lumière, la composition et la surcharge. Ce n'est pas oublié ; c'est redécouvert, lorsque le code exige à nouveau de la profondeur plutôt que du réalisme superficiel.