Films d'action afro-américains des années 70 — Shaft, Coffy — héros noirs, soundtracks soul, violence urbaine. Genre controversé entre autodétermination et clichés exploitatoires.
Les années 1970 ont vu arriver au cinéma une vague de films d'action qui plaçaient des protagonistes noirs au centre — non pas comme personnages secondaires ou victimes, mais comme héros qui dominaient leurs propres histoires. Cela fonctionnait sur le plateau et en post-production différemment de tout ce qui avait précédé. La caméra suivait les corps noirs dans des espaces urbains, la musique était soul et funk au lieu d'orchestrale, les montages étaient plus rapides, la violence plus directe. En tant que chef opérateur, on remarquait immédiatement : ici, on ne tournait pas pour un public blanc qui voulait voir des Noirs comme criminels ou esclaves — ici, les films parlaient à leur propre communauté.
Ce qui rendait ces films compliqués, c'était précisément cette ambiguïté. Ils créaient des stars noires et un contrôle noir sur la production — Gordon Parks, Melvin Van Peebles, plus tard John Singleton — et donc aussi des emplois noirs sur le plateau. En même temps, ils jouaient avec des stéréotypes issus de la machine Blaxploitation : l'homme noir agressif, la femme noire hypersexualisée, la violence urbaine comme spectacle. Ce n'était pas un hasard. Les budgets étaient faibles, les studios voulaient des retours rapides, et la violence sexuelle et physique se vendait. Le débat sur la question de savoir si ces films libéraient les communautés noires ou produisaient simplement de nouvelles images pour des spectateurs blancs qui voyaient les hommes noirs comme une menace, se déroulait en parallèle du montage de ces films — et la réponse était probablement : les deux.
Sur le plateau, on ressentait l'énergie artisanale. Les équipes étaient plus petites, les journées plus longues, l'improvisation plus grande. La mise en lumière devait rendre la peau noire différemment — non pas comme un problème, mais comme un décor. Les mouvements de caméra étaient libres, moins classiquement compositionnels. En post-production, le montage devenait un instrument rythmique, pas seulement une structure narrative — similaire à la musique elle-même. Ces choix techniques étaient des choix politiques. On ne pouvait pas tourner comme les films hollywoodiens grand public, car le matériel, les budgets, les équipes étaient différents. Et de cette nécessité est née une esthétique qui fonctionnait.
Aujourd'hui, le genre a des répercussions. Les débats sur la représentation dans les films d'action, sur qui tient la caméra et qui se tient devant elle, commencent là. Et la liberté artisanale que les réalisateurs de Blaxploitation ont développée par manque, influence encore la façon dont les cinéastes noirs pensent l'espace et le corps.