1970–80年代澳大利亚剥削片——低成本、本土制作、全球发行。《疯狂麦克斯》实现了国际突破。
在20世纪70年代和80年代，澳大利亚出现了一种独特的剥削电影浪潮，它将美国汽车影院的原始能量与当地的预算限制以及一种与欧洲或亚洲的反对运动不同的视觉饥渴感结合起来。这些电影制作成本低廉，通常由未经训练或半职业的团队拍摄，它们将自身的缺陷转化为粗糙感——这并非出于艺术考量，而是出于赤裸裸的经济需要。这些作品在全球的粗糙影院和后来的录像带租赁店找到了销路，因为它们提供了大制作公司无法提供的：未经过滤的动作、怪诞的怪物、不受管制的性以及超越预算惯例的现实感。
其运作模式很简单：澳大利亚的制片人和导演——通常是跨界进入电影行业、没有接受过正规电影训练的人——在沙漠景观和城市废墟中制作低成本的奇观电影，这些地方本身就适合作为拍摄场景。无需昂贵的布景布置。当地的特效人员为特技和实景特效 improvisiert（即兴创作）硬件解决方案，为画面带来了纪录片般的粗糙感。配乐来自合成器键盘和现场演奏的乐器——这也是出于预算的限制。《疯狂的麦克斯》（1979年）的成功标志着突破，因为乔治·米勒明白：这种粗糙感不是缺陷，而是身份。在全球取得成功后，数十位制片人模仿了这种模式——后启示录风格、廉价服装、荒野中的车辆追逐。
对于摄影师和美术指导来说，Ozploitation（澳大利亚剥削电影）意味着将即兴创作作为一种技艺。他们在现有地点拍摄，最大限度地利用日光，用现有材料制作实景特效。画面风格并非源于设计决策，而是源于对匮乏的管理。同时，这些限制也催生了一种视觉风格：高对比度，在阳光下常常过曝，使用运动摄影机和快速剪辑来掩盖不足。后来，欧洲和美国的电影制作人认识到，这种美学素材吸引观众——真实的破坏胜过精雕细琢的模拟。
Ozploitation（澳大利亚剥削电影）时代在90年代结束，并非因为艺术上的枯竭，而是因为数字家庭录像盗版和流媒体摧毁了粗糙影院的发行链。但其形式上的教训依然存在：直接性和预算现实主义创造了过度制作无法达到的视觉强度。这种美学至今仍在独立类型片中回响。