歌剧的电影改编——通常是经典作品：威尔迪、莫扎特。挑战：将舞台惯例转化为电影语言，避免舞台装腔作势。
拍摄歌剧的人，夹在两个世界之间——这就是核心问题。舞台依赖于程式化，依赖于观众与表演者之间的距离，依赖于对人工惯例的接受。而摄影机追求的是亲近感，追求的是现实主义，或者至少是其自身的视觉逻辑。如果将舞台美学原封不动地照搬，很容易产生媚俗，或者显得像是记录下来的戏剧。如果完全忽略它，就会失去歌剧的魅力所在——它的宏伟、它的情感超载、它作为独立戏剧力量的音乐。
在实践中，歌剧改编之所以有效，是因为它将音乐视为视觉架构，而不仅仅是背景音乐。具体来说，剪辑、摄影机运动、画面构图必须跟随音乐，将其视觉化，而不是简单地配乐。缓慢的宣叙调允许长镜头、预设的摄影机位置、连续的镜头。多声部的合唱场景通常需要剪辑和空间分割，以便在视觉上区分每个人的情感线。对歌手的特写镜头与舞台上的效果不同——摄影机捕捉到的细节是20排观众无法看到的。这既是机遇，也是风险。
在片场经验丰富的歌剧导演——例如帕特里斯·谢罗或弗朗索瓦·吉拉尔——经常采用空间抽象而非字面布景。一个空旷的空间、光线、极少的道具。这可以避免舞台媚俗，而不会陷入单调。摄影机因此成为真正的场景设计师。现场录制与剪辑蒙太奇的问题也分裂了这个领域：直接从舞台现场录制能保持能量，但往往显得呆板和电视化。拍摄的制作则允许真正的电影创作，但有扼杀演唱直接性的风险。
实际的技巧是：接受人声的程式化，并以此为基础进行画面构建，而不是与之对抗。听到一位演唱比正常高出四个音的威尔第男高音时，视觉上也必须进行程式化。这并不意味着服装的盛大，而是有意识的画面设计，以匹配音乐的充沛——无论是通过色彩、几何图形还是运动模式。当画面与音乐在同一个美学空间中对话时，歌剧改编才算成功。