流派中格斗编舞驱动叙事节奏——剪辑、摄像机运动和空间地理放大战斗逻辑。成龙和吴宇森完善了语言。
拍摄武术电影时，并非将打斗作为次要情节——打斗编排本身就是叙事。击打与反击之间的节奏、摄影机的运动轨迹、剪辑的节奏：一切都服从于表演者动作的逻辑。在片场，这意味着你不是简单地“拍摄”动作，而是从摄影和节奏上引导它。摄影师不是跟随演员；他会预判下一个动作，有意识地设置轴线，利用景深来控制距离和近景。
成龙在这方面做得最彻底：长镜头、静止或平缓的摄影机运动，以便观众能理解动作的复杂性。这与MTV式的剪辑电影截然相反。而吴宇森则以更激进的方式剪辑动作，通过蒙太奇加速节奏，同时摄影机本身也动态地跟随——这是两种概念性的路径，都有效。王家卫则通过过曝、慢动作和图形化构图来美化打斗，将暴力转化为视觉诗歌。他们三人的共同点是：对身体动作的尊重。剪辑服务于它，而不是反过来。
在实践中，这意味着：在拍摄前与武术指导协调至关重要。你必须知道摄影机应该在哪里，以便拳脚清晰可见，但又不过于近距离。同时使用多台摄影机通常适得其反——一台摄影机，位置良好，剪辑精准，胜过视觉混乱。灯光成为一种设计工具：侧光强调肌肉的运动和紧张感，逆光创造出使动作图形化地浓缩的剪影。剪辑本身遵循动作的流动，而不是对话中经典的剪辑-反剪辑逻辑。
武术电影要求导演、摄影和剪辑将一种艺术形式来思考。它关乎电影的字面意义：身体所做的动作，在银幕上必须显得精确、易于理解，甚至重复——不是作为错误，而是作为一种技艺。这使其区别于超级英雄动作片，在后者中，特效定义了动作的空间。
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