影片的视觉签名——色彩调色板、光线、构图贯穿每一帧。你理解情节之前认出来的东西。
在片场，你很快就会意识到：一部电影在拍摄第一场戏之前就已经有了自己的“面孔”。影像风格（Image）并非故事本身，也不是演员的表演——它是一种视觉气质，能在观众走进影院的那一刻就立刻抓住他们。色彩方案、灯光设置、构图、质感——这些参数协同作用，如同一个人的指纹。观众会在最初的30秒内无意识地接收到这些信息。一部采用柔和的粉彩色调和漫射的北欧自然光的室内剧，其感受会与一部采用锐利轮廓和冷白色人造光的惊悚片截然不同，即使两者的故事可能相似。
在实践中，影像风格源于你作为摄影指导/摄影师每天做出的决定：你会使用哪些镜头焦距？你会如何处理阴影的密度？摄影机会采用稳定的构图还是晃动的跟拍？你会采用哪种胶片乳剂或数字调色（DI）？这些选择必须保持一致——这才是关键。一部电影在第一场戏中是温暖的，而在第三场戏中却变得冰冷，这看起来不是有意为之，而是混乱的表现。伟大的电影拥有贯穿始终的视觉语言。你可以在五个镜头内认出一部韦尔斯（Welles）的电影，在三个镜头内认出一部塔尔科夫斯基（Tarkovsky）的电影。这就是影像风格。
影像风格在经济上也具有重要意义。市场营销就依赖于此。海报展示的不是情节——它展示的是一个瞬间画面，能够立刻传达信息：这就是这部电影。在剪辑阶段，影像风格会通过剪辑节奏和转场得到进一步巩固。硬朗、几何化的蒙太奇会强化视觉概念。长时间的稳定镜头构图也是如此。你可以通过剪辑来破坏或塑造影像风格。
棘手之处在于：影像风格并非中立。它在对话开口之前就传达了意义、情感、时代特征。一种过饱和、霓虹灯效果强烈的影像风格会暗示人造感、恐惧或反乌托邦。一种颗粒感强、高对比度的影像风格则显得纪实、真实，有时甚至残酷。这不需要剧本去解释。观众会“感受”到它。因此，影像风格是导演的首要决定，而非最后的决定——它必须贯穿从故事梗概到色彩校正的整个过程。