Cinema burguês

Na crítica cinematográfica japonesa dos anos 1960, surgiu um termo polêmico para aquele cinema comercial mainstream que se esquivava conscientemente da reflexão política. Filme Burguês — o rótulo era pejorativo — descrevia o filme como mercadoria de entretenimento para uma classe média em crescimento: produções polidas, histórias agradáveis, sem atritos ideológicos. Os críticos (principalmente teóricos em torno da revista Kinema Junpo) contrapunham a este cinema o cinema de autor — obras de diretores como Ozu ou Oshima, que levavam a sério sua responsabilidade social.

A diferença prática residia na própria linguagem cinematográfica. Um filme burguês trabalhava com ritmos de montagem clássicos, música emocional, padrões de corte previsíveis — tudo projetado para cativar o público de forma agradável, sem perturbá-lo. Sem planos estáticos longos, sem desconforto através da composição da imagem. A montagem servia à clareza, não à irritação. No set, isso significava: conveniência para câmera e iluminação, lógica narrativa linear, cenários que o olho lê imediatamente.

Para um diretor de fotografia da época, a distinção era concreta: o filme burguês permitia trabalhar com segurança. Iluminação de três pontos, composições simétricas, profundidade de campo que mostra tudo. O oposto — as obras artísticas — exigia coragem: luzes sombrias, enquadramentos irritantes, desfoque como recurso dramático. Em Oshima, por exemplo, cada quadro era um debate; em um filme de estúdio, era uma janela.

Hoje, a categorização parece historicamente suspeita — era de luta de classes e rapidamente se tornou simplista. Muitos "filmes burgueses" daquela era mostram, retroativamente, um trabalho psicológico sutil. No entanto, como conceito, ela permanece útil: lembra-nos que a forma cinematográfica sempre expressa uma atitude. O cinema mainstream que se declara conscientemente apolítico é, ainda assim, político — apenas afirmativo em vez de crítico.