オーケストラの代わりにロック/ポップを基盤とした音楽劇——エレキギター、生の声、ライブバンドのエネルギー。
ロック・ミュージカルとロック・ポップスの融合は、クラシックなオーケストラ伴奏とは全く異なるエネルギーを映画にもたらす。ヴァイオリンや管楽器の代わりに、歪んだギター、パワフルなベースライン、リズムのエンジンとなるドラムが聞こえ、歌手は本物のアンプに向かって叫ばなければならない。これはアレンジの細部ではなく、映画文法の全体的なシフトである。音楽は装飾ではなく、葛藤の担い手そのものになる。
セットや編集の現場では、伝統的なミュージカル映画とは異なる働き方をする。サウンドデザイナーはオーケストラの音響モデルではなく、オーバードライブ・シグナルとライブレコーディングの美学で作業する。ザ・フーのオペラを原作としたケン・ラッセル監督の『トミー』(1975) を見ればすぐにわかるだろう。カメラアングルはシーンのドラマではなく、曲の音量カーブに追従する。編集の頻度はロックのテンポに dictat され、その逆ではない。サイケデリックな映像と音楽のマッチングは、曲が物語の筋書きと同等に進行していることを受け入れた場合にのみ生まれる。
プロダクション・デザインもそれに追従しなければならない。ロック・ミュージカルのステージセットは、ラーナー＆ロウのミュージカルとは根本的に異なる。アンプ、マイク、そして画面に映る演奏者たちが必要だ。これにより、リアリティ、あるいは少なくともジャンルにふさわしい、コントロールされた人工性が生まれる。照明はコンサート風になる。拡散するスタジオランプではなくスポットライト、均一な照明ではなくコントラスト。特に『ロッキー・ホラー・ショー』(1975) は、B級映画的な見た目とライブパフォーマンス照明の間のこの緊張感から成り立っている。
実践的なヒント：ロック・ミュージカルを編集したり撮影したりする際は、クラシックなミュージカルの構文（音楽が突然止まり、セリフが始まる）を忘れてほしい。ロック・ミュージカルは異なる呼吸をする。音楽はしばしば流れ続け、セリフと重なり合い、物語の明確さではなく心理的な空間を作り出す。これには、異なるマイク戦略、異なる編集リズムが必要となる。観客は物語劇ではなく、拡張されたコンサート体験の中にいると感じるべきだ。