初期のポータブル16mm家庭用カメラ（1920年代～1950年代）——スタジオなしで映画撮影を可能にした。現代のハンディカムとDV運動の前身。
1920年代から1950年代にかけてのポータブル16mmアマチュアカメラは、技術的な巧妙さではなく、民主化によって映画撮影に革命をもたらしました。突然、スタジオも、電力設備も、組合に所属するカメラマンも必要なくなり、カメラを手に取り、フィルムを装填し、家族、旅行、イベントを記録することが可能になったのです。それは画期的なことでした。
装置自体は堅牢に作られていました。電源接続の代わりにぜんまい式モーター、歯車による簡単な絞り調整、焦点距離12〜25mmのレンズ。フィルムは400フィートのリールで、1リールあたり約10〜11分の撮影時間でした。長く撮影したい場合はリールを交換する必要があり、それがアマチュアの頭の中に自然な編集のメンタリティを生み出しました。休憩を挟みながら作業していたので、編集を怠ることはありませんでした。
今日のセットで理解しておくべき重要なことは、これらのカメラがシーン設定ではなく「継続的な観察」の原則を確立したということです。アマチュア映画製作者は、フィルム材料は高価でしたが、スタジオ時間ほどではなかったため、ただ撮り続けました。それは、より構成的でなく、ドキュメンタリー的な知覚に近い、異なる美学につながりました。だからこそ、ハンドヘルドな美学や「ファウンド・フッテージ」のルックを求める監督たちは、無意識のうちに同様の原則に立ち返るのです。
これらのカメラの被写界深度は、小型のセンサー/フィルムフォーマットが可能にしたため、35mmよりも大きかったです。これは、ピント合わせの必要性が少なく、より多くの自由度を意味しました。コントラストはしばしばフラットで、色再現（カラー対応モデルの場合）は地味でしたが、鮮明で特徴的でした。まさに、後にドグマ95の映画製作者やデジタルミニマリストが求めたものです。
興味深いことに、16mmアマチュアフィルムから1980年代のVHSカムコーダー、そしてDVテクノロジーへの移行は、断絶ではなく連続的でした。「小さなカメラ、大きな自由」というメンタルモデルは、すべての世代に受け継がれました。今日、スマートフォンカメラで実験している人も、無意識のうちにこのDNAの鎖をたどっているのです。