キャラではなく孤立したギャグに基づくコメディ。各シーンは独立；タイミングがすべて。
演出のレベルでは、ギャグベースのコメディはそのディテールで決まり、そこでは容赦がありません。古典的な意味での一貫した脚本は必要ありませんが、正確なタイミングのコンセプトと、映像空間とサウンドデザインに対する絶対的なコントロールが必要です。各ギャグシーケンスは自律的に機能します。もしパンチラインがうまくいかなければ、確立されたキャラクターが提供する感情的なアンカーが失われます。これは作業を困難にします。演技のニュアンスや継続的なストーリーの緊張に頼ることはできません。
セットでの実践は、心理コメディとは根本的に異なります。ギャグベースの映画では、空間的な比率、カットの頻度、そして驚きの瞬間に取り組むことになります。カメラの位置は、ギャグを台無しにすることも、倍増させることもできます。視覚的な情報が正確な瞬間に明らかになるように、光学系を配置します。一フレームでも早すぎることはありません。タイミングは、演技のパフォーマンスだけでなく、カメラの動き、カットの長さ、そして音楽のヒットからも生まれます。私は、カットの長さをわずか50ミリ秒変えるだけで、同じテイクが突然機能するようになるのを目にしたことがあります。
多層性は可能です。前景のギャグが実行されている間に、背景に視覚的なギャグを重ねることができます。ただし、空間的な奥行きを一貫して演出した場合に限ります。現代のギャグベースのコメディ（そして古典的なスラップスティック作品も）は、2〜3のギャグレイヤーを同時に持つ深い映像空間を利用します。これには事前の計画が必要です。俳優はどこに配置し、どのような経路をたどり、彼らが反応する障害物や小道具をどこに置くのか？
重要：バリエーションを伴う繰り返しは、間違いではなく手段です。異なるオブジェクトやコンテキストを持つ類似のギャグ構造は、観客がパンチラインを知っていると思っているため緊張を生み出します。そして、あなたは彼らを驚かせます。しかし、これは、前のギャグシーケンスをパターンが認識できるように、クリーンに演出した場合にのみ機能します。不明瞭に実行されたギャグは繰り返すことができません。
編集サイドとのインターフェースは重要です。編集者を信頼する必要があります。一部のギャグは、2つのショットが予期せず衝突したときに、編集で初めて生まれます。これは、セットでバリエーションを撮影し、プレイできる十分な素材を持っていることを前提としています。