各ショットのビジュアル統括——レンズ選択、ライティング、カメラ位置、運動。彼の美学が映画そのものになる。
撮影監督は監督と照明の間に位置し、それは中立的な立場ではありません。彼は監督が頭の中に描いている美的ビジョンを実現しますが、同時にそれを技術的かつ実践的な現実に翻訳しなければなりません。現場では、どのレンズがそのキャラクターとの感情的な距離に適切な焦点距離をもたらすか、俳優を見失わずにカメラをどのように動かすべきか、そして光がどのようにムードを伝えるか（単に明るいだけでなく）を決定します。
古典的なヒエラルキーは以下の通りです。撮影監督は照明技師（ギャファー）と協力してルックを作り上げます。これは個々の美しいショットではなく、90分間を通しての一貫性に関わることです。彩度を落とした映画は、鮮やかな色彩の映画とは異なるレンズキャリブレーションと照明セットアップを必要とします。撮影中、撮影監督は迅速に対応しなければなりません。俳優がリハーサルとは異なる動きをしたら？カメラはそれに追従しなければなりません。太陽が雲間から差し込んだら？照明は調整する必要がありますが、ルックは崩れてはなりません。これはカリキュラムで教えられるものではない、職人技です。
実際には、撮影監督は監督を抑制したり、後押ししたりすることも含まれます。状況に応じてです。「15分で3つのショットを撮る」という場合、撮影監督は「最初のセットアップに照明で8分かかる、残りは2つのショットだ」と言わなければなりません。あるいは、「この被写界深度を犠牲にすれば、もっと早くできる」と言うかもしれません。これらの会話は目に見えませんが、それこそが映画なのです。
デジタル時代は役割を変えました。カメラからのRAWデータはカラーグレーディングでのより多くの操作を可能にしますが、それはセットでの作業が減ることを意味するのではなく、むしろ増えることを意味します。撮影監督は今や、自分の露出決定がDCPでどのように仕上がるか、圧縮がどのように機能するか、その焦点距離がそのセンサーで適切な被写界深度をもたらすかを知る必要があります。同時に、クルーは小さくなりました。かつてはフォーカス・プーラーが別の人だったのに対し、今日ではカメラアシスタントがすべてを行うことがよくあります。撮影監督自身は、より速く、より柔軟に、より技術的になる必要があります。そしてそれでも、映像の詩情を決して見失ってはなりません。