Lungometraggio narrativo senza copione — la trama nasce dall'improvvisazione degli attori. Richiede interpreti esperti e un regista che conduca e sappia quando staccare.
Sei sul set, la sceneggiatura non c'è — o c'è, ma viene ignorata. Gli attori entrano nella location, la macchina da presa gira, e quello che succede, succede. Questo è l'Improfilm, ed è dannatamente impegnativo. Non perché sia caotico, ma perché richiede un controllo preciso sotto l'apparenza di libertà. Il regista qui non agisce come assistente della storia pre-prodotta, ma come un montatore attivo in tempo reale — si ferma quando la scena sta andando in una certa direzione, dà nuovi impulsi, riparte.
In pratica, ciò significa: hai bisogno di attori che non abbiano paura del silenzio, che sappiano trasformare l'incertezza in materiale. Con gli amatori non funziona. Anche gli attori esperti hanno bisogno di un regista acuto e presente — qualcuno che sappia quando una scena sta producendo oro e quando sta scivolando nella ridondanza. Ken Loach lavora spesso in modo improvvisato, senza che appaia caotico; la struttura deriva dalla regia, non dalla carta. Anche nelle produzioni Dogme 95 e in parti del cinema contemporaneo, tali procedure sono diventate standard.
Tecnicamente, hai bisogno di lunghi piani sequenza, illuminazione flessibile e un fonico che sappia gestire microfoni ambientali — perché non sai dove andrà l'azione. La macchina da presa dovrebbe essere mobile, ma non impotente. L'handheld funziona, ma può attirare troppa attenzione su di sé. Spesso è meglio: una posizione di base stabile con zoom o reframing opzionali. Il materiale di montaggio diventerà in seguito la sceneggiatura — quindi hai bisogno di un montatore che sia anche un regista nello spirito.
L'errore più grande: confondere l'Improfilm con l'arbitrario. L'azione deve avere un vettore, una logica interna. Il regista deve sapere cosa la scena deve chiarire, anche se il percorso per arrivarci è aperto. Questo lo distingue dalla documentazione. Non osservi stupito, curi il caos. I momenti migliori spesso nascono quando la logica di un personaggio incontra l'incertezza dell'azione reale — gli attori reagiscono alla loro non-conoscenza tanto quanto a una sceneggiatura, solo che lo fanno più onestamente.