Personaggio si rivolge direttamente al pubblico o esprime il monologo interiore — rompe la quarta parete. Convenzione teatrale ripresa da Godard; ora standard nella commedia.
Il monologo interiore (o "parlato al pubblico") funziona sul set come un filo diretto tra il personaggio e lo spettatore — la macchina da presa diventa un confidente. L'attore non parla all'altro personaggio presente nella stanza, ma guarda direttamente nell'obiettivo, abbattendo così la cosiddetta quarta parete e comunicando al pubblico qualcosa che gli altri personaggi non sentono. Può trattarsi di un mondo interiore, di una giustificazione, di un avvertimento o semplicemente di un commento autoriale sulla trama. A differenza del classico voice-over — dove ci raggiunge solo la voce — vediamo il personaggio mentre parla. Questo crea vicinanza e complicità, non distanza.
Godard e Rivette hanno introdotto questa tecnica dal teatro al cinema negli anni '60. Pierrot le fou vive del fatto che Ferdinand e Marianne ci coinvolgono costantemente. La Nouvelle Vague ha capito: questa rottura dello spazio illusionistico non è disturbante, è produttiva. Rende il film riflessivo, mette in mostra l'artificialità della narrazione. Oggi utilizziamo il monologo interiore nelle commedie (Ferris Bueller's Day Off), nei meta-film e ovunque un personaggio funga da narratore. La macchina da presa deve rimanere ferma — ogni movimento interromperebbe la immediatezza. Il montaggio segue il ritmo del discorso, non viceversa.
Praticamente sul set: l'attore deve sapere esattamente dove si trova l'asse della macchina da presa. Uno sguardo due centimetri oltre l'obiettivo distrugge l'illusione di immediatezza. Il regista siede dietro la macchina da presa e dà segnali non verbali. Anche l'illuminazione non deve interrompere — il parlato al pubblico richiede una guida luminosa costante, solitamente frontale. Il suono è critico: il discorso deve essere cristallino, senza musica di sottofondo, senza rumori ambientali che distraggono. Dal punto di vista del montaggio, è spesso un cut-in nel mezzo o un primo piano ampio, a volte una sequenza di singoli take che si susseguono come schegge di pensiero. Sottolineato dalla musica, appare più sentimentale, senza musica più crudo ed esposto.
Il confine con il voice-over è sfumato. Il voice-over è interno, il parlato al pubblico è ostentato — vediamo e sentiamo allo stesso tempo. Questo lo rende più impegnativo per gli attori, perché non c'è una zona di protezione. Ogni frase, ogni movimento degli occhi è esposto. Nei film horror lo utilizziamo per esprimere la follia; nei thriller, per creare tensione. È uno strumento di narrazione e caratterizzazione allo stesso tempo — e quando funziona, dimentichiamo che stiamo assistendo a una convenzione teatrale nel cinema moderno.