Narrazione dall'inizio — nessuna voce fuori campo espositiva, nessun salto in medias res. Il pubblico ha tutto il contesto dal primo fotogramma.
Si parte da zero. Niente trucchi, niente scorciatoie — lo spettatore si immedesima nello stesso momento del tuo personaggio, scopre l'ambientazione, la costellazione, i primi conflitti in modo non filtrato e non commentato. Questo è ab ovo: l'atteggiamento narrativo classico, che non presuppone nulla al pubblico e non ha bisogno di spiegare nulla in seguito. Il film inizia dove la storia inizia realmente — non a metà, non con una stampella in voice-over che ci mastica l'esposizione.
Sul set si nota subito la differenza. Quando lavori "ab ovo", non hai bisogno di scene espositive che servano solo a spiegare il mondo allo spettatore. Invece, le tue prime immagini costruiscono la realtà stessa — attraverso spazio, luce, movimento, suono. Una scena nell'appartamento ti mostra subito chi vive lì, qual è la situazione finanziaria, quali conflitti covano. Non attraverso dialoghi come "Sono disoccupato da tre anni", ma attraverso superfici, oggetti, sguardi. Il montaggio supporta questo, prendendosi il tempo per queste costruzioni — niente montaggio espositivo affrettato che cambia angolazione ogni due secondi.
Esempio classico: guardi un film in cui un uomo entra nel suo ufficio, e capisci in quattro inquadrature più del suo status, delle sue preoccupazioni e della sua gerarchia di quanto potresti capire da cinque minuti di dialogo esplicativo. Questo è "ab ovo". Il contrario sarebbe, ad esempio, l'apertura di un film di James Bond, dove l'azione deve già essere in corso prima che sappiamo chi sia Bond — o il voice-over noir che ti recita tutta la storia pregressa.
In pratica, questo significa per la regia: hai bisogno di pazienza e fiducia nell'immagine. La tua prima inquadratura non è decorazione, ma informazione. Ogni taglio deve avere un senso, perché non hai la possibilità di inserire rapidamente un'esposizione in seguito. I tuoi attori devono recitare in modo più sottile, perché il loro viso e i loro movimenti raccontano costantemente. E il tuo montatore deve capire che "più veloce" qui non significa "meglio" — a volte un'inquadratura ha semplicemente bisogno di cinque secondi in più, affinché lo spettatore assimili i dettagli di cui ha bisogno per la storia.